РекламаИнформация о ценах не является публичной офертой
Драматические спектакли
1
Поэт — это не тот, кто пишет стихи, а тот, кто платит за них своей судьбой. А судьба Сергея Есенина была вечным поиском счастья и вечным разочарованием.
В жизни Есенина было несколько больших романов. Почти все они заканчивались трагически. Он посвящал своим возлюбленным стихи, ставшие классикой русской поэзии, но не умел сохранить чувство к женщине надолго. Каждый роман был для Есенина прежде всего глотком творческой энергии. Он искал любви и бежал от нее, спасался от одиночества и жаждал уединения.
Кто они — эти женщины Есенина? Кого они любили — гениального поэта? Ангела с золотыми волосами? Озорного гуляку? Как взаимоотношения родителей Есенина, драматичные повороты в судьбе матери отозвались в его взрослой жизни, в отношениях с возлюбленными? С этой стороны на творчество поэта еще никто не смотрел.
Ослепительная, яркая, остроумная «Летучая мышь» давно стоит в одном ряду с лучшими музыкальными спектаклями мира. 5 апреля 1874 года зрителям венского театра «Ан дер Вин» была впервые представлена эта оперетта Иоганна Штрауса-сына. С тех пор история о том, как неверный муж соблазнился собственной женой, лицо которой скрывала карнавальная маска, покорила несколько поколений зрителей.
Новый спектакль Михайловского театра подчёркивает исключительные благородство и вкус музыки признанного короля вальсов, лёгкость и изящество его героев, их элегантность и красоту.
«У нас это будет прежде всего семейная история, актуальная во все времена, — рассказывает музыкальный руководитель постановки и главный дирижёр театра Александр Соловьев. — Вечная история взаимоотношений мужчины и женщины, которые подошли к новому этапу своей жизни и теперь должны посмотреть друг на друга новыми глазами».
Без всякого преувеличения можно утверждать, что «Травиата» — это самая узнаваемая и самая любимая опера в мировом репертуаре. Верди — знаток человеческих чувств — так точно выразил через музыку их оттенки, что они беспрепятственно проникают в сердце слушателя и заставляют его проживать историю вместе с героиней.
В основе сюжета «Травиаты» известный роман Александра Дюма-сына «Дама с камелиями». Современники утверждали, что в этой книге писатель рассказал реальную историю своих отношений с Мари Дюплесси. Молодая куртизанка покорила парижский свет умом и внешностью, а молодого Дюма — искренностью и красотой души. И если слово «травиата» в переводе с итальянского значит «падшая», то опера «Травиата» — это история о том, как человека возвышает любовь. Такие смысловые контрасты становятся точкой опоры в водовороте чувств, в который погружает зрителя замечательный спектакль. Исполняется на итальянском языке (сопровождается титрами на русском языке)
Режиссёр спектакля Владимир Кехман переосмыслил классический сюжет, взглянув на него глазами человека XXI века. В центре постановки, как и в предыдущих работах Владимира Кехмана, окажется трагизм простых человеческих судеб.
Существует ли любовь и дружба в богемном кругу, или в этом мире есть только видимость отношений? Смогут ли герои реализовать себя или погибнут, не успев создать что-то действительно великое?
Благодаря особому взгляду режиссёра на музыкальный театр чувства и взаимоотношения героев оперы раскроются с новых сторон. А романтическая атмосфера Парижа и великая музыка Пуччини лишь подчеркнут глубокое духовное преображение, которое им предстоит пережить.
193-й сезон Михайловского театра открылся масштабной премьерой — новаторской постановкой Владимира Кехмана, который на этот раз обратился к опере Петра Ильича Чайковского «Пиковая дама».
Приблизив действие к литературному первоисточнику — одноимённой повести Александра Сергеевича Пушкина, — режиссёр по-новому расставил акценты в музыкальной драматургии. Он исследовал природу человеческих страстей и слабостей и переосмыслил ключевые идеи знаменитой оперы — предопределённость судьбы, власть денег и страсть, губящую любовь.
Зрителей ждёт захватывающий сюжет, великолепные костюмы, вдохновлённые стилем Вивьен Вествуд, и, конечно же, элегантные декорации и смелые пространственные решения.
Музыкальный руководитель постановки — Михаил Татарников.
Рабы, полководцы и цари равны, если речь идет о любви, ревности, тоске по родине или жажде победы. В «Аиде» сосредоточено огромное музыкальное богатство и высочайший накал страстей. Опера на сюжет из эпохи правления фараонов, созданная для театра в Каире к торжествам по случаю открытия Суэцкого канала, признана безоговорочным шедевром. Спектакль Михайловского театра поставлен с уважением к авторской партитуре. Сценическое решение, метафоричное и элегантное, подчеркивает глубину чувств главных героев и служит изысканным фоном для гениальной музыки.
Опера «Манон Леско» входит в число лучших сочинений Джакомо Пуччини.
Поставленная в 1893 году в Турине, она стала первым и несомненным триумфом композитора. В основе либретто — сюжет из книги аббата Прево «История кавалера де Грие и Манон Леско» — одного из первых образцов психологического романа в истории литературы, имевшего огромную популярность в Европе.
Создатели спектакля в Михайловском театре режиссер-постановщик Юрген Флимм и художник-постановщик Георгий Цыпин сохранили место действия — Париж, но изменили время и перенесли события в первую треть двадцатого века. В их сценической версии героиня — начинающая киноактриса, её возлюбленный — тоже актёр, а богатый покровитель — голливудский продюсер.
Сценография спектакля близка к стилю фильмов нуар с характерными световыми контрастами и драматичными тенями, а костюмы напрямую отсылают к кинематографу 1930–1940-х годов. Неизменным остается эмоциональное содержание, которое постановщик определяет краткой формулой: «Женщина между двух мужчин, и как следствие — катастрофа».
Знаменитый испанский хореограф Начо Дуато впервые в своей карьере обращается к опере: Михайловский театр представляет его постановку «Кармен» Жоржа Бизе.
«Кармен» Начо Дуато — это спектакль-размышление о предопределённости судьбы, о любви, смерти и свободе, за которую приходится дорого платить. Постоянные соавторы именитого испанца, для которых «Кармен» стала уже третьим совместным проектом, создали совершенную оправу для тонкой режиссуры Начо Дуато. Лаконичные и стильные декорациями Джаффара Чалаби и неизменно элегантные костюмы Ангелины Атлагич многократно усилят впечатление от постановки.
«Тоска» — одна из кульминаций в истории оперного искусства, сочинение редкой красоты и эмоциональной силы. Джакомо Пуччини нашел сюжет в пьесе, которую драматург Викторьер Сарду написал специально для Сары Бернар. События развиваются стремительно, действие подобно отпущенной пружине. Флория Тоска — известная певица, красивая и страстная женщина. Она легко поддается чувствам, будь то любовь, ревность или гнев. Попав в эпицентр политических интриг, Тоска становится жертвой манипуляций коварного Скарпиа и невольно губит своего возлюбленного — художника Марио Каварадосси. Музыка Пуччини — чувственная, выразительная, глубокая — сглаживает избыточный пафос литературного первоисточника и обращается напрямую к сердцу слушателей, которые сопереживают главным героям, как если бы провели рядом с ними долгие годы. В Михайловском театре «Тоска» поставлена в полном соответствии с замыслом автора, сценическое действие убедительно и тактично следует за музыкальной драматургией.
В Михайловский театр возвращается «Евгений Онегин»: к знаменитым «лирическим сценам» обратился испанский хореограф Начо Дуато. «Евгений Онегин» П. И. Чайковского станет его второй оперной постановкой. Элегантная образность и изысканный неоклассический стиль, присущие всем постановкам мастера, подчёркивают красоту великой музыки и глубину образов.
Вместе с Начо Дуато над созданием спектакля работают его постоянные соавторы — художник-постановщик Джаффар Чалаби и художница по костюмам Ангелина Атлагич. Музыкальным руководителем постановки стал дирижёр Александр Соловьев.
Впервые «Евгений Онегин» был исполнен в 1879 году силами студентов Московской консерватории — юные и искренние артисты смогли передать всю глубину и лиричность этой оперы. Сегодня в Михайловском театре главные партии репетируют молодые и талантливые певцы, которые блестяще воплощают образы, созданные Чайковским: Александра Сенникова, Маргарита Шаповалова, Кристина Калинина, Семён Антаков, Игорь Подоплелов, Сергей Кузьмин, Егор Мартыненко, Ирина Шишкова, Виктория Войтенкова и Александр Безруков.
В своей первой оперной постановке Владимир Кехман представит собственную оригинальную трактовку знаменитой «Дамы с камелиями». Действие спектакля разворачивается в первой половине ХХ века — в эпоху великих потрясений и великого искусства.
«Дама с камелиями» в Михайловском театре — история жизни русской балерины, которая вынуждена выбирать между сценой и чувствами. Маргарита с детства живёт лишь балетом, но страшные события 1917 года вынуждают её покинуть Петербург. Однако, уехав из России, балерина обнаруживает, что роскошная вилла на Капри больше походит на золотую клетку, что годы уходят и вместе с ними утекают силы и талант... Что делать женщине, которая осталась без любви, а главное — без сцены?..
Спектакль «Моцарт. Свадьба Фигаро» Вячеслава Стародубцева исполнен восточными мотивами, которые отразятся и в стиле актерского существования. В работе над постановкой одной из главных опер Вольфганга Амадея Моцарта режиссер вдохновлялся модной в европейском искусстве конца XVIII века стилистикой шинуазри. Это изысканное ответвление рококо, навеянное искусством средневекового Китая. Фарфор, многоцветные шелка, раздвижные ширмы, домики для чаепитий в тайных уголках сада стали частью домашнего уклада европейской аристократии. Постановщик спектакля Вячеслав Стародубцев не скрывает, что для оперного режиссера визуальные образы значат не меньше, чем музыка. Совместно с художниками-постановщиками Жанной Усачевой и Петром Окуневым он решает поместить персонажей оперы в обстановку богатого дома, где модное увлечение «китайскими штучками» влияет не только на интерьеры, но и на правила жизни.
В условиях, когда примадонна — немка, тенор — заика, basso-buffo блеет козленком и осталось две недели до премьеры, а опера не написана, может родиться шедевр. Так в 1832 году появился «Любовный напиток» Гаэтано Доницетти.
Либреттист Феличе Романи воспользовался беспроигрышным вариантом: в основу его произведения легло французское либретто Эжена Скриба для одноименной оперы Даниэля Обера 1831 года. Это веселая итальянская история о богатой крестьянке Адине, которая кружит голову простодушному воздыхателю Неморино, используя для этого заезжего сержанта. Бродячий лекарь-шарлатан Дулькамара продает влюбленному «любовный напиток», который, тем не менее, позволяет разрешить все проблемы. Несмотря на спешку композитора, опера получилась на славу: занимательный сюжет и легкая мелодика обеспечили произведению долгую зрительскую любовь. Изящность, легкость, кажущаяся простота этой оперы и привлекли к ней внимание Михайловского театра.
Спектакль рекомендован для семейного просмотра.
Опера Моцарта «Волшебная флейта» на нашей сцене идет в версии, впервые показанной в Лозаннской опере в 2010 году. Известный немецкий театральный художник и режиссёр Пет Хальмен перенёс действие в библиотеку герцогини Анны Амалии в городе Веймаре, где хранилась ценнейшая коллекция редких книг и партитур. И хотя поводом для этого решения стал страшный пожар, в котором сгорела большая часть раритетов, постановку с отсылками к знаменитому книжному собранию европейская критика признала одной из самых светлых и гармоничных интерпретаций «Волшебной флейты» наших дней.
Спектакль рекомендован для семейного просмотра
Современная версия классического спектакля, увидевшего свет в 1945 году, восстановлена в стилистике, близкой зрителю цифровой эпохи. Визитной карточкой постановки стало удачное сочетание доброй балетной старины и современных сценических технологий. Визуальные компьютерные эффекты мирно сосуществуют с традиционными костюмами и реквизитом. Ростислав Захаров, 110-летию со дня рождения которого посвящена премьера, называл свою постановку «песней о весне человеческой жизни, о юности, о счастье, о мечте». Михаил Мессерер во время работы над реконструкцией следовал настроению, заданному автором балета.
Балет Петра Ильича Чайковского «Щелкунчик» считается символом волшебных перемен и постоянного обновления жизни. История о том, как деревянная кукла оказалась заколдованным принцем, который с помощью доброй и самоотверженной девочки Маши победил злого Мышиного короля, — не просто красивая сказка. Это взволнованный рассказ о том скоротечном времени, когда на смену беззаботному детству приходят светлая грусть юности, мечты о любви и гармонии.
«Щелкунчик», поставленный Начо Дуато, стал «подлинным прощанием хореографа с Россией». В соавторстве с французским художником Жеромом Капланом испанский хореограф «создал оммаж городу, который поразил его своим величием, артистами и зрителями». Действие балета его создатели перенесли в предреволюционную Россию, в Серебряный век русской культуры. После премьеры критики отмечали, что «Дуато не играет в классику, а всерьез старается следовать ее стилю и строгому канону», восхищались «свободным дыханием пластики» и «яркими находками» хореографа, который в работе над балетом был захвачен «подлинным вдохновением».
Конек-горбунок, Иванушка, его завистливые братья Данила и Гаврила, Царь-девица и другие персонажи перенеслись на балетную сцену со страниц замечательной сказки Петра Ершова. Крестьянский сын Иванушка с помощью неказистого с виду Конька, ставшего ему верным другом, преодолел все испытания, посрамил глупого Царя, занял его место и женился на Царь-девице — знакомая с раннего детства история рассказана с озорством и лукавством. Музыка Родиона Щедрина — признанный классик сочинил её совсем молодым, когда учился в консерватории — искрится весельем и дает свободу для пластических решений. В своей постановке Михаил Мессерер опирается на хореографию Александра Радунского, который первым обратился к этой партитуре и создал в 1960 году спектакль на сцене Большого театра. Полноформатная трехактная постановка интересна и детям, и взрослым — всем, кто ценит балетные спектакли, выполненные в классических традициях. В сценическом оформлении использованы мотивы палехских росписей, предлагающих совершенно особый взгляд на сказочные и фольклорные сюжеты.
В пленительной музыке Чайковского и сказочном сюжете Шарля Перро, который все знают с детства, хореограф Начо Дуато нашел новые смыслы, эмоциональные оттенки и пластические образы. Вдохновленный хореографией своего великого предшественника Мариуса Петипа, Дуато не спорит с ним, но иногда цитирует — почтительно или чуть иронично. Величие классического стиля поколеблено: это похоже на то, как если бы серьезный симфонический оркестр вдруг позволил себе легкие джазовые шалости.
Авторы спектакля создали на сцене пространство, которое позволяет зрителю оказаться внутри сказки, в мире фей. В окружении цветущих роз персонажи иногда похожи на птиц или бабочек. Злая фея Карабос предстает в облике роковой красавицы, которой верно служат пронырливые тараканы с блестящими спинками. В финале злые чары развеяны, торжествует добро и любовь. «В наше время и взрослым нужны сказки, они помогают вернуться к чему-то важному и сокровенному — к ребенку внутри нас», — в этом убеждены авторы спектакля, и зрители с готовностью разделяют их мнение.
Императорский Рим с его пышными шествиями, оргиями и гладиаторскими боями становится эффектным фоном для драматической истории о борьбе за человеческое достоинство и свободу. Восстание гладиаторов обречено, но это не снижает напряжение в зрительном зале, поскольку в каждом эпизоде спектакля герои, столкнувшиеся в жестоком противоборстве, с максимальной полнотой проявляют все качества человеческой натуры.
Красочный, звонкий, непосредственный, стихийный — все эти эпитеты можно применить к «Дон Кихоту», но ни один не передаст в полной мере то ощущение счастья, которое балет неизменно вызывает у зрителей. Красные плащи тореадоров, переборы гитарных струн, стук кастаньет, кокетливые взгляды из-под распахнутых вееров — на сцену выплескивается очаровательное легкомыслие «балетной Испании». К этому балету исполнители относятся по-особому: он требует виртуозности и выносливости, зато оставляет танцовщикам полную свободу в выборе актерских красок. Можно показать искренность и прямодушие персонажей или же представить их изобретательными притворщиками, сделать акцент на незатейливых бытовых деталях или изобразить «бурные страсти» — палитра неисчерпаема, и в этом один из секретов феноменальной популярности спектакля.
«Главный балет русской сцены» в авторской версии испанского хореографа Начо Дуато — это скорее фантазия, чем сказка. «Мы уходим от романтики средневековых замков и придворных ритуалов, — рассказывает хореограф. — Я хочу сделать более современную историю — очень эмоциональную и человеческую. Эмоции идут от музыки Чайковского, но действие мы перенесем в ХХ век. Художница Ангелина Атлагич придумала фантастически красивые костюмы и очень элегантное оформление сцены». Начо Дуато использует в своей постановке фрагменты классической хореографии Льва Иванова — Мариуса Петипа, но финальный акт будет полностью новый. «Заключительная сцена может удивить зрителя, — предполагает хореограф. — Я не хочу ее раскрывать, пусть каждый интерпретирует ее по-своему. Но если меня спросят, счастливый ли будет финал, я скажу так: на мой взгляд, да».
Михайловский театр представляет новую редакцию балета «Корсар», посвященную памяти выдающегося танцовщика и хореографа Никиты Долгушина.
«Традиции будут живы только в том случае, если их воспринимать горячим сердцем и умом», — утверждал Никита Александрович. Наш новый «Корсар» — это возможность выразить почтение к мастерству хореографов прошлого, поразить зрителей техническими достижениями современного театра и насытить балет живыми эмоциями.
Мы приглашаем вас отправиться в удивительное путешествие по экзотическим странам, вдохнуть пряные ароматы восточного базара, заглянуть в гарем Сеид-паши и понаблюдать за схватками пиратов. В этом ярком балете авантюрные приключения переплетаются с любовью, а яркие характерные танцы соседствуют с классическими ансамблями и па-де-де.
Балет «Жизель» Адольфа Адама — один из самых знаменитых спектаклей мирового классического хореографического репертуара. Его премьера состоялась в 1841 году в Париже. Авторы либретто почерпнули в творчестве Гейне и Гюго тему о вилисах — невестах, умерших до свадьбы. Либретто и музыка создавались по инициативе хореографа Жюля Перро. Со временем к «Жизели» обратился и довёл до совершенства её хореографию Мариус Петипа. В начале XX столетия во время триумфальных «Русских сезонов» Сергей Дягилев привёз «Жизель» в Париж, и французы увидели свой национальный балет, бережно хранимый в России. С тех пор спектакль получил множество трактовок. Для Михайловского театра Никита Долгушин реконструировал спектакль Петипа с проверенным временем хореографическим текстом, точными мизансценами, многочисленными деталями старины.
Сюжет балета прост: юный граф, будучи обручён с богатой невестой, влюбляется в крестьянку Жизель и, скрывая свой титул, под видом крестьянина ухаживает за ней. Влюблённый в Жизель лесничий раскрывает тайну графа, Жизель узнает о его неверности и, обезумев от горя, умирает. После смерти Жизель становится вилисой, но прощает неверного возлюбленного и спасает его от мести своих подруг.
В 2024 году, в честь столетия со дня рождения Ролана Пети, Михайловский театр показал на своей сцене одно из самых знаменитых творений хореографа — балет «Собор Парижской Богоматери».
Пети, вдохновлённый романом Виктора Гюго, создал поистине грандиозный спектакль о любви и смерти, преданности и коварстве. «Я хочу, чтобы для зрителей прояснился трагический смысл творения Виктора Гюго», — говорил Ролан Пети. Сюжетную канву балетмейстер свёл до линий четырёх главных героев — прекрасной Эсмеральды, трогательного Квазимодо, коварного Фролло и эгоистичного Феба. Первым исполнителем партии Квазимодо стал сам хореограф.
Мировая премьера балета состоялась в 1965 году на сцене Парижской оперы. Ошеломляющий успех спектаклю обеспечили не только яркая хореография Ролана Пети и авангардная музыка Мориса Жарра, но и смелые костюмы знаменитого кутюрье Ива Сен-Лорана и великолепные декорации известного художника театра и кино Рене Аллио. «Собор Парижской Богоматери» стал одной из самых стильных постановок своего времени.
В 2021 году Луиджи Бонино — хранитель традиций Ролана Пети, его друг и ассистент — перенёс балет в Новосибирск, и именно этот спектакль НОВАТа будет показан на сцене Михайловского театра..
История очаровательной Лизы, которая мечтает воссоединиться с возлюбленным, тогда как мать рассчитывает выдать ее за богатого простофилю-соседа, стала основой замечательного балетного спектакля. Веселая и искрометная «Тщетная предосторожность» покоряет своим обаянием. В нашем театре представлена хореографическая версия Фредерика Аштона, классика британского балета.
Балет «Многогранность. Формы тишины и пустоты» — одно из самых известных произведений Начо Дуато. Он сразу же привлёк внимание критиков и принёс своему создателю престижную премию Benois de la Dance. Балет был создан в 1999 году для театра города Веймара, где несколько лет жил и работал Иоганн Себастьян Бах. Именно его музыка стала основой произведения Дуато, в котором он языком пластики рассказывает о жизни и творчестве великого композитора. Двухактное сочинение объединяет в себе барочную музыку и современную хореографию. Это практически биографическое произведение, и, в отличие от большинства работ Начо Дуато, не имеющих сюжета, здесь действуют конкретные персонажи — Композитор, Женщина и Смерть. Вместе с ними зритель проходит основные этапы жизни композитора и наблюдает за чудом создания гениальной музыки.
«Лауренсия» относится к особому пласту отечественной хореографии, так называемому «сталинскому классицизму». Это роскошный, эффектный, «театральный» в самом возвышенном смысле этого слова спектакль. Эмоциональный накал и стремительность действия, напоминающего отпущенную стальную пружину, переданы ярким танцевальным языком, где классические па сплавлены с огненными испанскими ритмами. Виртуозные соло и дуэты, гармоничные ансамбли, захватывающие массовые сцены — в этой бурлящей танцевальной стихии разворачивается драматическая история, где радость разделенной любви грубо разрушена насилием, ответом на которое стал взрыв народного гнева. В основе сюжета — пьеса испанского драматурга Лопе де Вега «Овечий источник».
Легендарный балетный спектакль о событиях Великой французской революции считается одной из самых больших удач советского музыкального театра. Его первые зрители, не делая никакой поправки на театральную условность, в общем порыве вставали с мест и пели вместе с артистами Марсельезу во весь голос. Воссозданный на нашей сцене с уважением к стилю «золотого века» советского балета, яркий и зрелищный спектакль не только сохраняет хореографический текст и мизансцены первоисточника, но и воскрешает его революционный пыл. В масштабной историко-романтической фреске занято больше ста человек — артисты балета, миманс, хор — и в их совершенно особом способе существования на сцене сплавлены в единое целое танец и актерское мастерство. Живой и энергичный балет, где действие развивается стремительно и не требует дополнительных пояснений, продолжает оставаться источником радости и веры в идеалы.
Начо Дуато поставил свою версию знаменитого балета «Ромео и Джульетта», потому что уверен: «партитура Сергея Прокофьева — самое потрясающее, что когда-либо было создано для балетной сцены». Хореограф следует за музыкой и наполняет танцем каждый эпизод.
Драматическая история двух влюбленных разворачивается на фоне жизни итальянского города, не останавливающейся ни на секунду: лирические сцены чередуются с картинами уличных праздников в духе комедии дель арте, в которые грубо вторгаются стычки враждующих кланов. Вместе с хореографом над постановкой работали художник-сценограф Джаффар Чалаби, художник по свету Брэд Филдс и художник по костюмам Ангелина Атлагич.
Высокая простота классики и экзотическая роскошь магараджей гармонично соединились в балете, история которого насчитывает более полутора веков. Начо Дуато создал версию спектакля, восходящего к оригиналу Мариуса Петипа: сохранена привычная последовательность сцен и драматургических кульминаций, остались в неприкосновенности ценные фрагменты канонического танцевального текста. Вместе с тем балет освободился от архаики и статичных мимических эпизодов — им на смену пришел щедрый пластический орнамент. Древняя Индия стала блистательным фоном для истории любви храмовой танцовщицы и прекрасного воина, которым не суждено быть вместе ни в реальном, ни в астральном мирах.
«Без слов» — полный аллюзий и метафор бессюжетный одноактный балет. Танцовщики, похожие на ожившие античные статуи, рассказывают историю, которую можно прочесть как воспоминание о любви и иных испытаниях, посланных человеку на жизненном пути. Эта история очищена от сиюминутных подробностей и частностей, она вырастает и вновь погружается в экзистенциальную темноту, бескрайнюю, как вечный сон. Начо Дуато видит танец бесконечной кантиленой, лепит из тел изысканные многофигурные композиции, сочиняет естественные движения, переходы и поддержки. Смотреть на это можно бесконечно, как на воду или огонь, отдаваясь потоку собственных мыслей.
В одноактном балете «Прелюдия» хореограф утверждает равноправие трех танцевальных стилей — романтического, классического, современного. Не случайно критики называли постановку «хореографической контурной картой танцевального мироздания». В пространстве академического театра, подчиняясь законам сцены и механике театральных иллюзий, танец иной раз забывает, к какой эпохе он принадлежит: сильфиды ликуют на паркете бального зала, загадочные люди в черном оказываются ревнителями академических традиций. А то вдруг в безмятежное течение хореографического времени резко вклиниваются фрагменты декораций, которые хотели бы поменять предписанную им неподвижность на движение или хотя бы его видимость. Никакого сюжета балет не предполагает — в его основе полифония мотивов, игра и соперничество пластических образов.
Одноактный балет «Белая тьма» Начо Дуато сочинял как реквием по безвременно ушедшей сестре. Получился шедевр, который, по оценкам критиков, в ландшафте современного искусства «смотрится недосягаемой вершиной».
Героиня балета, потерявшая веру в любовь, пытается найти забвение; но путь, который она выбрала, вместо радости приносит лихорадочное возбуждение, а дальше — разочарование, отторжение и самоизоляцию.
Начо Дуато не считает танец остросоциальным искусством, но, тем не менее, умеет с его помощью выразить сложнейшие вещи. «Я прочувствовал, насколько это печально, когда молодые люди позволяют наркотикам ломать свои жизни и отправляются в темный мир — настолько темный, что выхода из него нет», — рассказывает хореограф об эмоциональном фоне этой постановки.
Двухактный балет «Чиполлино» в постановке и хореографии лауреата Государственной премии СССР, профессора Генриха Майорова счастливо путешествует по театральным подмосткам с 1974 года. С тех пор сказку про мальчика-луковку танцевали почти в двадцати российских театрах. «У каждого театра своя индивидуальность — состав труппы, возможности сцены, — и для Михайловского театра я сделал новую авторскую редакцию», — говорит хореограф Генрих Майоров.
«Чиполлино» — один из лучших современных балетов для детей, принесший мировую известность выдающемуся российскому композитору Карэну Хачатуряну: музыка этого балета звучала в любимом многими мультипликационном фильме «Чиполлино». Детская аудитория обожает сказочное оформление художника-постановщика Валерия Левенталя — красочные декорации выдуманного города и яркие костюмы героев: Фруктов, Овощей и Цветов (кума Тыквы, Груши, Чиполлино, мастера Виноградинки, Магнолии, Садовника Кактуса, Редисочки). Балет, за сложность исполнения прозванный детским «Спартаком», стал замечательным поводом для семейного похода в театр.
