............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. .............................................................................

Маршруты

Проехать

Мариинский Театр

Театры

4.8

4573 оценки

Реклама«Трипстер Лимитед», ИНН 9909537328.

Логотип

Выбрать экскурсию

ФГБУК Мариинский Театр

Контакты

Инфо

В здании2

Отзывы1020

Цены25

Фото1263

Вакансии

Обновлено 26 февраля 2026

РекламаИнформация о ценах не является публичной офертой

Опера

9

Шедевр ХХ века — оперу Шостаковича про взбунтовавшуюся купеческую жену Катерину Измайлову, в борьбе за свою любовь отравившую свекра-тирана и задушившую ненавистного мужа, — в Мариинском исполняют с 1990-х годов. Июньские спектакли знаменательны тем, что их будут записывать на видео. Поводом стал недавний дебют в титульной партии примадонны труппы Екатерины Семенчук: ее страстная и мятежная героиня сохраняет безупречный вокал и в любовных колыбельных, и в исступленных сценах-скандалах. На запись собран один из лучших вокальных составов спектакля. Дирижирует Валерий Гергиев.

1 200–4 800 ₽

Купить билет

3

Исполняется на итальянском языке (сопровождается синхронными титрами на русском и английском языках)

1 200–3 600 ₽

Купить билет

7

Предсвадебные хлопоты приятны и волнующи, особенно если дело касается приобретения супружеской кровати. Но что, если на невесту-служанку положил глаз женатый высокородный хозяин, а на жениха претендует его немолодая кредиторша? Кажется, бог Эрос решил перетасовать все пары в замке графа Альмавивы, его стрелы свободно пересекают любые возрастные и сословные границы. В возникшем хаосе любовных притязаний легко запутаться; тучи над героями то сгущаются, то феерическим образом рассеиваются, однако всеобщая гармония в опере «Свадьба Фигаро» устанавливается только в финале. И дело не в том, что каждый получает достойную, по статусу, пару: слуга – служанку, графиня – графа, пубертатный подросток – подружку-ровесницу, мать-одиночка – отца своего ребенка. Главное в опере Моцарта – это торжество любви, победа любви как ясного, возвышенного и устойчивого состояния души над зыбкими влечениями тела. По законам классицистского театра все происходящее укладывается ровно в одни сутки: воистину безумный по комичности и абсурдности ситуаций день переходит в упоительную ночь, когда все узлы сложно закрученной интриги наконец развязываются. Следующее утро обещает быть совсем иным – добрым, чистым, честным, хотя вопрос, надолго ли, остается открытым. Затруднительные, нелепые, щекотливые и просто забавные положения, в которых герои оказались сначала у Бомарше, а вслед за ним – у Лоренцо да Понте и Моцарта, дают постановщикам уйму возможностей для проявления собственного остроумия. Спектакль Юрия Александрова наполнен режиссерскими находками и деталями (стоит взять театральный бинокль!), благодаря которым на сцене царит импровизационный дух комедии дель арте. В сценографии и костюмах (художник Вячеслав Окунев) изобилуют столь удобные для всяческих лукавых игр рюши, оборки, драпировки. Они пенятся, как шампанское, которое в финале второго акта брызжет по сцене в прямом смысле слова. По воле постановщиков в «Свадьбу Фигаро» вернулся завуалированный либреттистом социально-политический подтекст скандальной французской комедии, написанной за десять лет до взятия Бастилии. «Призраки революции» то буквально взламывают роскошные интерьеры графского замка, то заглядывают в окна, наблюдая за подозрительно неуклюжим танцем верноподданных «крестьянок», примеряющих цветочные гирлянды как армейские вещмешки. «Свадьба Фигаро» на исторической сцене Мариинского театра звучит на итальянском языке. В обновленных титрах зрители не прочтут привычных слов «Мальчик резвый, кудрявый, влюбленный», зато новый перевод позволит им приблизиться к оригиналу, обнаружить множество нюансов и по достоинству оценить пронизывающую его живость, чувственность и искрометную хлесткость. Христина Батюшина

1 200–5 600 ₽

Купить билет

4

О таких говорят: «Седина в бороду – бес в ребро». Состоятельный аристократ дон Паскуале на старости лет вздумал жениться. От любовной лихорадки пожилого скрягу излечивает молодежь, причем весьма сильнодействующим лекарством: заставив его на своей шкуре прочувствовать все «прелести» супружеской жизни с женой-мегерой. Старики в роли женихов издавна становились объектом для колкостей, но Доницетти в опере-буффа «Дон Паскуале» раскрывает классическую комедийную тему с долей меланхолии и сочувствия главному герою – быть может, потому, что композитор, который написал эту блестящую партитуру за невероятные одиннадцать дней, сам был в то время уже не молод и глубоко одинок. Оставаясь типовой комедией характеров-масок, восходящих к традициям итальянского уличного театра, «Дон Паскуале» – сочинение романтической эпохи и потому наполнено живыми чувствами. В завершение сезона 2021–2022 годов, после многолетнего перерыва, очень веселая и чуть грустная история возвращается на афишу Мариинского театра.

1 200–4 800 ₽

Купить билет

4

Пушкин написал «Полтаву» за две недели, Чайковский «Мазепу» – за два года. Композитору-лирику сочинение монументальной военно-исторической оперы на сюжет знаменитой пушкинской поэмы давалось нелегко. Недаром он начал работу с большого дуэта Марии и Мазепы: его в первую очередь волновала психология, а не политика. В дуэте участвуют сопрано и баритон – редкий случай для оперного жанра, где партию возлюбленного главной героини, как правило, получает тенор. Здесь это невозможно: Мария юна, Мазепа стар. История кажется неправдоподобной, но она исторически достоверна. Третий угол любовного треугольника занимает Андрей – фигура, у Пушкина безымянная и малозначительная, однако в опере необходимая. И все же накал страстей в «Мазепе» связан прежде всего не с романтическим треугольником, организованным по принципу «любит – не любит», а с отношениями между девушкой и двумя ее отцами – родным и крестным, который святотатственно становится любовником своей крестницы. В этом втором, куда более напряженном треугольнике два старика схлестнулись за душу Марии, один из них проиграет и заплатит жизнью, а девушка тронется рассудком – что даст возможность Чайковскому завершить произведение типичной для романтической оперы сценой тихого безумия героини. Драма любви и предательства разворачивается на фоне обширной исторической панорамы с ярким украинским национальным колоритом, хорошо знакомым Чайковскому: сестра композитора жила на Украине. На сцене часто бывает многолюдно, народ гуляет, танцует, поет, молится. Победоносное Полтавское сражение 1709 года Чайковский живописует в эффектном симфоническом антракте к третьему акту. Свойственный «Мазепе» исторический размах воплощен в Мариинском театре во всем великолепии. В 2019 году театр отметил необычный юбилей: «Мазепа» прошел в пятисотый раз. Нынешний спектакль – капитальное возобновление постановки 1950 года. Лауреат Сталинской премии режиссер Илья Шлепянов и известный советский театральный художник Александр Константиновский создали эталон «большого стиля», вполне соответствующий музыке этой оперы. Здесь панночки чернобровы, а казаки носят шаровары; наряды расшиты жемчугами, оторочены соболями. Мощный оперный ампир «Мазепы» особенно порадует поклонников традиционного театра; однако в качестве аутентичного, тщательно отреставрированного памятника середины ХХ века эта постановка может заинтересовать любую публику. «Мазепа» – спектакль-долгожитель, который в почтенном возрасте не потерял ни харизмы, ни силы, как и его титульный герой. Христина Батюшина

1 200–4 800 ₽

Купить билет

Мировая премьера этого сочинения состоялась 16 июля 1782 года в придворном Бургтеатре в Вене — оркестром дирижировал сам композитор. Несмотря на множество интриг, едва не сорвавших первое представление, оно имело колоссальный успех и было повторено 18 раз. Вскоре после этого оперу увидел пражский зритель, а затем она начала торжественное шествие по Европе, побывав более чем на сорока сценах и став самой исполняемой оперой Моцарта при его жизни. В России «Похищение из сераля» впервые исполнили в 1802 году в Петербурге — представление было организовано силами императорской немецкой труппы. На сцене Большого (Каменного) театра, от которого ведет свою историю Мариинский, опера появилась в 1816 году. Она получила название «Бельмонд и Констанса» и исполнялась на русском языке в переводе Александра Шеллера. В ранние советские годы «Похищение из сераля» показывали в разных театрах обеих столиц, однако со временем интерес к нему стал угасать. Не помог и веселый жанр зингшпиля — музыкальной комедии с диалогами — в традициях которого было создано сочинение. Со сцены Мариинского театра «Похищение из сераля» впервые прозвучало лишь в ноябре прошлого года — 13 номеров из зингшпиля (всего в опере 21 номер) исполнили солисты оперы и Симфонический оркестр Мариинского театра под управлением Юстуса Франтца. «В Мариинском большой моцартовский репертуар, а оперы „Похищение из сераля“ в нем нет. Между тем она прекрасная, веселая и радостная — и каждый раз дарит зрителям столько удовольствия! Кажется, впервые я увидел ее в Зальцбурге, и меня так впечатлила эта музыка, что я всю ночь не спал и смеялся», — говорит Юстус Франтц. Юстус Франтц считается одним из ведущих интерпретаторов музыки Моцарта — именно он встанет за дирижерский пульт на всех премьерных показах.

1 200–5 600 ₽

Купить билет

4

На исторической сцене Мариинского театра состоится первая весенняя премьера сезона — комическая опера Россини «Золушка». Ранее это сочинение звучало в полусценической версии в Концертном зале Мариинского театра. Полномасштабный спектакль будет представлен в режиссуре Катерины Малой. Художник по декорациям и костюмам — Вячеслав Окунев. Музыкальный руководитель — Валерий Гергиев. Мировая премьера «Золушки» Россини состоялась 25 января 1817 года в римском театре Валле. Для композитора она стала уже двадцатым сочинением в оперном жанре, притом что на тот момент Россини было только двадцать пять лет, а за его плечами уже был оглушительный успех «Севильского цирюльника», «Итальянки в Алжире» и других сочинений. Набросок либретто к «Золушке» был написан Якопо Ферретти за одну ночь, музыку Россини создал за двадцать четыре дня. Несмотря на почти провальную из-за спешной подготовки премьеру, вскоре «Золушка» начала триумфальное шествие по мировым сценам, став одной из самых репертуарных опер. Сюжет знаменитой сказки Шарля Перро композитор решил перенести в современную для себя эпоху. Злую мачеху заменил вредный отчим дон Маньифико, а крестную фею — мудрый наставник принца по имени Алидоро. В этой опере нет ни кареты-тыквы, ни даже хрустальной туфельки — место волшебных превращений заняли чудеса человеческого голоса и искрометность жанра оперы-буффа. Слушателей ждет погружение в удивительный мир итальянской оперы с роскошной музыкальной гирляндой из арий, ансамблей, хоров и симфонических фрагментов с речитативами в промежутках. Найти исполнительницу партии Анджелины (так у Россини и Ферретти зовут главную героиню), написанной для колоратурного меццо-сопрано, — большая сложность. В этой партии блистали Фредерика фон Штаде, Тереза Берганса, Чечилия Бартоли, Ольга Бородина. Не меньший вызов — собрать виртуозных солистов и на другие партии: им, как и главной героине, по ходу действия нужно демонстрировать непринужденное владение бельканто в сольных номерах и соединяться в многолюдные филигранные ансамбли. Но солисты оперной труппы Мариинского театра приняли вызов и уже не раз успешно показали себя в сложнейших партиях. Кроме Концертного зала, в этом сезоне мариинская «Золушка» в полусценической версии побывала в Москве и Красноярске. Партии к премьере готовят: Анджелина (Золушка) — Цветана Омельчук, Дарья Росицкая, Светлана Карпова, Эвелина Агабалаева, Регина Рустамова, Ирина Шишкова; Клоринда — Анна Денисова, Юлия Сулейманова, Кристина Гонца, Анна Шульгина, Маргарита Иванова, Марина Алешонкова; Тисба — Анастасия Донец, Екатерина Латышева, Анна Князева, Альбина Шарафутдинова; Рамиро — Клим Тихонов, Денис Закиров, Александр Михайлов, Ярамир Низамутдинов; Алидоро — Магеррам Гусейнов, Владимир Феляуэр, Геворг Григорян, Илья Банник, Мирослав Молчанов; Дандини — Ярослав Петряник, Виктор Коротич, Сергей Романов, Максим Даминов, Егор Чубаков; Дон Маньифико — Денис Беганский, Николай Каменский, Яков Стрижак, Павел Шмулевич, Степан Завалишин.

1 200–4 200 ₽

Купить билет

3

Четверо мужчин и одна женщина – гендерный расклад в «Паяцах» отличается вопиющей неуравновешенностью. Более того, все четверо мужчин так или иначе претендуют на единственную героиню: один – понарошку, трое – всерьез. Ревнивый муж, пылкий любовник, отвергнутый поклонник – у Леонкавалло это не стандартные оперные амплуа, а вывернутые наизнанку человеческие души. На поверку оказывается, что никакой чистой любви нет, а есть клубок раскаленных эмоций, куда вместе с любовью вплетены гордость, ревность, похоть и – в первую очередь – страх одиночества. Исследовать подлинные (в том числе самые неприглядные) чувства людей со скрупулезной достоверностью считали своей задачей композиторы-веристы, чьим художественным манифестом, наряду с «Сельской честью» Масканьи, и стала опера тридцатитрехлетнего Леонкавалло. Первоначально она называлась чуть иначе – «Паяц», в соответствии с традицией указывать на афише главного героя. Действительно, сочинение Леонкавалло – это опера «для тенора», в центре которой – трагическая фигура Канио, клоуна-страдальца. Партия Канио с ее знаменитой арией Vesti la giubba принадлежит к золотому фонду тенорового репертуара. Однако накануне мировой премьеры в 1892 году в Милане исполнитель партии Тонио отказался выходить на сцену, если название не будет включать его героя. Так вместо Il Pagliaccio опера стала именоваться Pagliacci. Изменение единственного числа на множественное придало названию оперы дополнительные смыслы. Насколько «паясничанье» свойственно любому человеку? Где истинное лицо человека, а где – его социальная маска? Второй акт оперы построен по принципу матрешки, театра в театре: бродячая труппа Канио разыгрывает для местных жителей комедию дель арте. Постепенно реальная жизнь захлестывает подмостки, актерская игра становится все убедительнее, потому что перестает быть таковой. Наконец сцену заливает кровь – настоящая, а не бутафорская. Леонкавалло уверял, что заимствовал сюжет оперы из реальной судебной практики. Так или иначе, он сделал зрителей – нас, сидящих в большом зале, – своего рода присяжными. В этой чрезвычайно компактной истории нет морализаторства «от автора», приговор преступнику зритель должен вынести сам. Захватывающе выразительная музыка «Паяцев» вряд ли сделает его обвинительным. Христина Батюшина

1 500–4 200 ₽

Купить билет

«Игрок» Прокофьева остается лучшей среди опер на сюжеты Достоевского, не самого «удобного» для музыкального театра писателя. В 1916 году сочинение было включено в план Мариинского театра, и ставить его должен был Всеволод Мейерхольд. Однако труппа взбунтовалась против «Игрока» — факт, достойный украсить биографию любого новатора! Опера Прокофьева звучала революционно не только благодаря «страшным» аккордам, так смущавшим мать композитора — и не только ее, но и благодаря новому ощущению сценического времени, концентрации событий, теперь так нам привычной, а сто лет назад шокировавшей. В репертуар Мариинского театра «Игрок» вошел лишь в 1991 году, став одной из первых кульминаций «прокофьевского ренессанса». Валерий Гергиев дважды записал «Игрока» — и получил за него «Золотую маску» в дирижерской номинации. В апреле, на который приходится день рождения Прокофьева, в Мариинском традиционно его музыка звучит больше.

1 200–3 600 ₽

Купить билет

4

Балет

9

Манифест балетного романтизма, «Сильфида» была создана в 1832 году хореографом Филиппом Тальони для его дочери, Марии Тальони, и стала одним из главных спектаклей ее жизни, открывшим ей путь к признанию, сделавшим ее имя легендарным. В этом балете она впервые поднялась на пуанты не ради удивления публики, а во имя художественной идеи: едва касаясь сцены кончиками пальцев, она создавала образ девы воздуха, зовущей прочь от земли, от прозы быта. Легкая, утонченная Тальони, словно преодолевая силу земного притяжения, своим танцем воплощала мир грез. Воздушность ее танца подчеркивал и костюм: летящий газовый тюник создавал ощущение невесомости, а белый цвет открытого платья подчеркивал свободу от земных страстей. Танец населявших фантастический мир небесных подруг Сильфиды был начисто лишен бытовых примет. Тогда как танцевальные характеристики персонажей реального мира – шотландских крестьян, одетых в яркие национальные костюмы – строились на основе народной хореографии. Манящему, прекрасному миру мечты, воспетому классическим танцем сильфид, хореограф противопоставлял и мрачный гротеск сцены шабаша нечисти: вокруг кипящего котла плясали ведьмы, вампиры, козлоногие карлики, гномы и джины. Из этого котла колдунья Мэдж извлекала роковой шарф – она была призвана разбить мечту романтического героя, устремившегося за прекрасным видением. По законам романтизма идеал недостижим: едва герой, пожелав остановить мгновение и обладать неуловимым, накидывал на плечи Сильфиды шарф, она умирала. Вдохновленные успехом первой «Сильфиды», многие хореографы создавали свои версии этого романтического балета. Младший современник Тальони, датский хореограф Август Бурнонвиль у себя на родине поставил свою «Сильфиду», варьировавшую тот же сюжет, повторявшую отдельные сцены шедевра Тальони, но сочиненную на другую партитуру – Хермана Левенскьольда (тогда как Сильфида Тальони танцевала на музыку Жана Шнейхоффера). Датчане сохранили тот спектакль, и именно он лег в основу постановки «Сильфиды» в Мариинском театре. Ольга Макарова.

2 400–7 200 ₽

Купить билет

6

Балета «Ромео и Джульетта» могло и не быть. В 1934 году Прокофьев обсуждал возможность постановки в Ленинграде «Игрока» и «Огненного ангела». Тогда Адриан Пиотровский (директор «Ленфильма» и консультант ГАТОБа) выдвинул идею новой оперы и среди прочих сюжетов предложил трагедию Шекспира. Замысел «Ромео» как балета окончательно оформился к маю 1935-го. Вторым крестным отцом этого спектакля стал Сергей Радлов. Соавтор сценария, он предложил радикальные переделки Шекспира, самая фантастическая из них – счастливая развязка. Летом 1935-го создается партитура. За это время расстраивается постановка в ГАТОБе, инициативу перехватывает Большой театр. Для веронских влюбленных начинается бурное время: провал первого публичного прослушивания (4 октября 1935 года), переделка финала согласно Шекспиру, исполнение двух симфонических сюит из балета (сезон 1936–1937), новый контракт с ГАТОБом (теперь носящим имя Кирова), и только 11 января 1940 года – премьера спектакля. Между тем 30 декабря 1938 года прошла премьера «Ромео» в чехословацком Брно – справочные издания числят ее мировой. Известно, что это был одноактный балет, в нем использовались лишь избранные номера (возможно, музыка двух сюит). Целиком партитура впервые прозвучала именно в Ленинграде. Здесь постановку доверили Леониду Лавровскому. Хореограф дотошно изучил веронские хроники, средневековые романы и описания старинных танцев. Главным выразительным средством он избрал драматически яркий танец-пантомиму. Присягая на верность духу Шекспира, Лавровский потребовал изъять из либретто все радикализмы, а также дописать несколько номеров и усилить оркестровку. Прокофьев сопротивлялся переделкам даже после премьеры. Оформлял спектакль Петр Вильямс, один из лучших театральных художников эпохи. Италия Вильямса произвольно сочетала разнородные приметы Ренессанса: на веронской площади виднелся купол флорентийской Санта-Мария дель Фьоре, в эскизах костюмов угадывались портреты Боттичелли и Кранаха Старшего. Верона словно переехала на широту Ленинграда: многие рецензенты отмечали сдержанный, отнюдь не южный колорит постановки. Первый состав исполнителей вошел в легенду, и прежде всего Галина Уланова. Полуарабеск Улановой – Джульетты стал символом недосказанности в эпоху молчания и подтекста, ее бег – волевым порывом к свободе. Балет Лавровского и Вильямса – одно из лучших творений советского балета и редкий для театральных сочинений Прокофьева случай, когда первая постановка стала канонической. В 1946 году спектакль переехал в Большой театр вместе с Джульеттой – Улановой. В 1956 году он произвел фурор на гастролях москвичей в Лондоне и стал отправной точкой для важнейших зарубежных версий ХХ века: Аштона, Макмиллана, Нуреева, Ноймайера. В Ленинграде же спектакль возобновляли в 1975, 1983 и 1991 годах. В 2012-м его записали на DVD. Он до сих пор собирает полные залы, и трудно поверить, что музыку «Ромео» когда-то считали антибалетной, а накануне премьеры готовились к провалу. Богдан Королёк.

3 200–12 000 ₽

Купить билет

3

Звездный час драмбалета ознаменовало появление в 1934 году в Ленинградском театре, еще не носившем тогда имени С.М. Кирова, спектакля «Бахчисарайский фонтан». В нем стремление приобщить хореографию к темам высокой литературы и ратование нового советского искусства за реалистичность выкристаллизовали новое направление развития балета. «Бахчисарайский фонтан» рождался в атмосфере творческих дискуссий прогрессивной культурной элиты Ленинграда: профессора консерватории, авторитетного композитора и музыковеда Бориса Асафьева, определявшего в те годы художественную политику театра режиссера Сергея Радлова, дирижера Евгения Мравинского, художника Валентины Ходасевич, либреттиста Николая Волкова, критика Ивана Соллертинского. В эпицентре художественно-театральной жизни оказался и 27-летний хореограф Ростислав Захаров. Его, дебютанта в большой балетной форме, выпускника режиссерского факультета Ленинградского института сценических искусств, зарекомендовавшего себя постановками танцев в операх и пластики в спектаклях радловского Молодого театра, пригласили стать автором хореографии нового балета. Вдохновленный недавно опубликованными «Письмами о танце» Новерра со вступительной статьей Соллертинского о действенности танца, молодой балетмейстер в новом спектакле стал переносить на балетную сцену хорошо усвоенные уроки режиссуры драмы. Танец подчас оставался на периферии внимания хореографа, балет рождался не из танца, а из действия, умело разыгранных мизансцен. В резонанс с предпочтениями постановщика вошел и актерский потенциал первых исполнителей. Выразительность назначенных на главные партии Галины Улановой и Константина Сергеева стала значительным вкладом в успех постановки. Раз и навсегда выбранный в «Бахчисарайском фонтане» творческий путь, постановка балетов-пьес, привел Захарова к признанию. Литературоцентризм стал «главной песней» Захарова и мейнстримом советского балета последующих двадцати лет. В поэтическую стихию балетного искусства, оперирующего исключительно категорией настоящего эмоционального (реального или нереального), вмещались бытовые подробности прозы. Недосказанность пушкинской поэзии требовала логических объяснений, и в «Бахчисарайском фонтане» появился новый персонаж – Вацлав, возлюбленный Марии, был включен в сюжет, чтобы подчеркнуть грань между миром, в котором была счастлива польская княжна Мария, и миром ее татарской неволи. Захаров приучил артистов к актерской работе над ролью, к неведомому им до того застольному периоду с режиссерским разбором характеров, конфликтов. И не случайно об исполнителях эпохи драмбалета нередко говорят: «Балерина – актриса, танцовщик – актер». Воплотить на сцене характеры пушкинских героев и тем самым заложить традиции актерской выразительности в советском балете стало миссией поколения 1930-1940-х. А зрителя Захаров и его единомышленники по воцарившемуся на советской сцене течению так называемого драмбалета приучили к вопросу «О чем танцуют?» Желая быть понятым, хореограф заставил зрителя думать и, порой, тем самым забыть о красноречии ненагруженного словесным подстрочником танца. Ольга Макарова.

2 400–9 600 ₽

Купить билет

6

Что может быть прекраснее балета на морскую тему на сцене приморского театра? «Корсар» в постановке главного балетмейстера-хореографа Эльдара Алиева — именно такой спектакль представляет Приморская сцена Мариинского театра. Музыка написана французским композитором Адольфом Аданом, основоположником романтического балета, партитура которого впоследствии была дополнена также яркими номерами других композиторов. Адан взял за основу сюжет знаменитой поэмы Джорджа Байрона, увлёкший немало выдающихся музыкантов: так, Джузеппе Верди тоже сочинил на него одну из своих опер. Абсолютный успех этого сюжета не удивляет, ведь здесь есть всё, что так любит театральная публика: пираты и кораблекрушения, восточный гарем и невольничий рынок с похищенными красавицами. А над всем царит любовь, преодолевающая самые невероятные преграды. Приключения корсара Конрада и очаровательной Медоры — это одна из историй великой любви: любви настоящей, с первого взгляда, способной выдержать любые испытания. В спектакль Эльдара Алиева бережно включены фрагменты легендарной версии Мариуса Петипа, украшенной роскошными хореографическими сценами и ансамблями. В нём участвуют ведущие солисты балетной труппы Приморской сцены Мариинского театра. Надежда Кулыгина

2 100–9 600 ₽

Купить билет

7

Самый любимый рождественский балет, «Щелкунчик» давно уже стал тем спектаклем, который вне зависимости от сезона дарит ощущение волшебного праздника и сказочных перемен. Чудесная история о прекрасном принце, заколдованном в уродливую куклу, и доброй девочке Маше, которая помогает Щелкунчику победить ужасного Мышиного короля и обрести счастье, неизменно привлекает и детей, и взрослых. Дивная музыка этого балета так хорошо знакома всем сызмала, что подчас трудно себе представить, насколько новаторской она была для своего времени. Чайковский невероятно расширил сферу характерных танцев: в «Щелкунчике» есть и галерея ярких ребячьих портретов (недаром его называют «симфонией детства»), и фантастические образы игрушек и мышей, и роскошный парад сластей Конфитюренбурга. Как бесконечно далеко ушла вперёд от схем национальных старого балета сюита вкусных напитков, которыми угощают публику во II акте: густой обжигающий испанский шоколад; арабский кофе, музыка которого словно окутывает сцену ароматным дымком; изысканный, как китайская церемония, чай. Композитор сделал необычайно щедрый подарок артистам: в «Щелкунчике» не только человеческие персонажи, но и каждый предмет персонифицирован, что позволяет задействовать в спектакле всю труппу и превратить его в триумф кордебалета. Отдельного внимания заслуживает изобретательная оркестровка: например, в сцене войны мышей и солдатиков с дробью маленьких барабанов, звуками игрушечных боевых фанфар, мелькающей мышиной беготнёй и писком. Жемчужина партитуры «Щелкунчика» — хрустальный танец Феи Драже, в котором Чайковский впервые в русской музыкальной литературе употребил изобретённую всего несколькими годами ранее челесту — инструмент с прозрачным, «тающим», поистине завораживающим тембром. И все же главный секрет успеха музыки этого балета заключается в том, что она, подобно сюжету, обладает теми неподкупными свежестью и юностью, что всегда пленяют и всегда нравятся. Среди балетов Чайковского «Щелкунчик» получил, пожалуй, наибольшее количество интерпретаций с различными смысловыми акцентами. Приморская сцена Мариинского театра представляет его в выразительной хореографии Эльдара Алиева, которая опирается на оригинальный сценарий Мариуса Петипа. Это — настоящая новогодняя феерия с великолепными костюмами и декорациями, наполненная взрывами румяного детского смеха и хвойным запахом праздничной ёлки. Надежда Кулыгина

2 400–9 600 ₽

Купить билет

«Шурале» Леонида Якобсона – красочная балетная сказка. Музыка к ней, насыщенная этническими интонациями, написана татарским композитором Фаридом Яруллиным, а либретто создано по мотивам мудрых татарских сказок. На сцене вершатся волшебные превращения птиц в красавиц-девушек, в дремучем лесу резвится нечисть – джинны, шайтаны и ведьмы развлекают плясками своего повелителя, лешего Шурале, а в татарской деревне с размахом празднуется свадьба... Причем персонажи спектакля «разговаривают» на разных пластических языках: мир Шурале и окружающих его в лесном царстве чудовищ решен с помощью гротеска, в фантастическом мире девушек-птиц речь героинь строится на классическом танце, в народных сценах основным выразительным средством является танец характерный. По традиции народных сказок в «Шурале» добро и любовь побеждают зло, в финале злой и коварный леший оказывается повержен отстаивающим справедливость влюбленным красавцем Али-Батыром. Однако Шурале вышел победителем в историческом соперничестве за право дать свое имя всему балету. Дело в том, что изначально поставленный в Казани как «Шурале», при переносе на ленинградскую сцену в 1950 году спектакль был переименован в «Али-Батыра» – считалось, что негоже называть советский балет именем нечистой силы. Но со временем историческая справедливость восторжествовала, и сегодня имя лешего Шурале украшает афишу Мариинского театра, приглашая зрителей на зрелищный спектакль с разнообразными танцами и увлекательным сюжетом.

2 400–9 600 ₽

Купить билет

4

«Конек-Горбунок» 2009 года стал для Мариинского абсолютно новым спектаклем, но в то же время и возвращением к прошлому. Театр вновь обратился к уже звучавшей в его стенах музыке Родиона Щедрина. «Музыка к балету „Конек-Горбунок” – моя ранняя, очень ранняя работа, – комментировал композитор возращение на сцену своего сочинения спустя почти двадцать пять лет. – Но работа этапная, важная для моего творческого самоутверждения, многое в жизни моей определившая. Работа, на которой „поймал” я в свои музыкантские руки неземную Жар-Птицу – Майю Плисецкую. Ей эта партитура и посвящена… Конечно, „из сегодня” вижу я в своей юношеской работе многие наивности и несовершенства. Но писалась партитура искренне, честно и увлеченно. Это, полагаю, можно расслышать и ощутить ныне. „Не отрекусь от каждой строчки прошлой”, как писал Андрей Вознесенский. Я тоже намерений таких никак не имею. А полон я чувством предвкушения радости и творческого созидания».

2 100–7 200 ₽

Купить билет

17

«Лебединое озеро» – балет, без которого невозможно представить себе современный академический театр, да и современный психологический. Академизм «Лебединого озера» – в четких структурных построениях, в строгой классической школе, в традиционном разделении на классический и характерный танцы. Психологизм – в загадочной теме двойничества, в культивируемой теме фатума и рока. Тем не менее, появившееся в 1877 году «Лебединое озеро» получило отнюдь не мгновенное признание. Спектакль, сочиненный в Большом театре Вацлавом Рейзингером, был одним из многих – весьма традиционным и далеко не новаторским. Не находили в нем ни знаменитой русской души, ни вечного символа отечественной одухотворенности в образе лебедя. Да и музыка Чайковского, грустно-щемящая, празднично-ликующая или угрожающе-фатальная, не сразу была признана шедевром. Поначалу творение Петра Ильича аттестовали весьма сдержанно: находили, что балет «беден мелодиями», а музыка – его «самое слабое место». Да и духовность в первой постановке найти было нелегко: многое заслонял лебединый кордебалет, исправно махавший на премьере картонными крыльями, – сейчас такое можно представить разве что в пародии на спектакль! И только имя Полины Карпаковой, вошедшей в историю первой исполнительницей Одетты, говорит нам о том, что история балета началась вовсе не в Санкт-Петербурге. Но именно в городе на Неве белый лебедь «свил себе гнездо». После концерта памяти композитора, состоявшегося в 1894 году в Мариинском театре, на котором Лев Иванов показал лебединую картину, нежную, трогательную и печальную, властитель петербургского балета Мариус Петипа окончательно принял решение поставить спектакль Чайковского на императорской сцене. Премьера состоялась годом позже, в 1895-м. Очень тактичную музыкальную редактуру произвел дирижер и композитор Риккардо Дриго – именно его варианту партитуры «Лебединого озера» следует большинство хореографов. Француз Петипа и русский Иванов (хореографы), итальянец Дриго (дирижер и автор музыкальной редакции) и Пьерина Леньяни в партии Одетты-Одиллии – вот творцы знаменитого мифа «Лебединого озера». За более чем столетнее существование «Лебединого озера» в Мариинском театре постановку капитально редактировали лишь трижды, что, согласитесь, для балета с более чем вековой историей крайне мало. Наиболее радикальной была, как ни странно, женщина – Агриппина Яковлевна Ваганова, прославленный педагог и отличная солистка (в «Лебедином озере», кстати, лавров не снискавшая). Она постаралась прояснить мистицизм либретто и музыки, представив историю о девушке-лебеде как болезненные галлюцинации начитанного юноши, беспощадно умертвив в финале главных героев без права воскрешения (в спектакле 1896 года Одетта и Зигфрид, погибнув, соединялись в загробном мире). Однако от Вагановой в сегодняшнем спектакле и «лебединый» поворот рук, и танцевальная встреча Одетты и Зигфрида: Агриппина Яковлевна, не удовлетворенная суетливой пантомимой этого эпизода, сочинила очень образную хореографию. Десять лет спустя другой классик советского балета Федор Лопухов не дал погибнуть главным героям, более того, вернул Одетте человеческий облик – в финале она становилась девушкой. Но и этот спектакль, запомнившийся еще и отличной вариацией Ротбарта, в репертуаре театра продержался лишь пятилетку, и его сменила версия Константина Сергеева, одного из лучших Зигфридов всех времен и народов, в которой верный академическим традициям танцовщик и хореограф соединил все лучшее, созданное для «Лебединого озера» за полвека. И эта постановка сегодня считается классическим образцом. Именно в ней и зафиксировала тогдашняя кинохроника лирический танец Галины Улановой, виртуозный блеск Натальи Дудинской, академическую безупречность Габриэлы Комлевой, мятежную страстность Галины Мезенцевой. Ольга Федорченко.

5 000–17 000 ₽

Купить билет

3

Балет «Шопениана» — это оммаж эпохе романтизма с ее «белым балетом», летящими арабесками, воздушными танцами бесплотных сильфид и вечной тоской по идеалу. В 1910 году «Шехеразада» произвела фурор в Париже. Едва откричав «браво» на премьере «Русских сезонов», модницы поспешили облачиться в a la восточные шальвары и чалмы, подобные придуманным для спектакля художником Бакстом, изготовители тканей запустили в производство полотна с орнаментами в голубых с оранжевым тонах, ювелиры с небывалым успехом стали продавать броские украшения, напоминавшие те, в которых блистали артисты на сцене. С балета «Жар-птица» началась карьера Игоря Стравинского. Первый заказ на сочинение, дебют на театральной сцене и сразу шумное внимание к дебютанту.

2 400–12 000 ₽

Купить билет

Остальное

7

от 1 500 ₽

Купить билет

1 200–4 800 ₽

Купить билет

2 400–7 200 ₽

Купить билет

2 100–8 000 ₽

Купить билет

1 800–7 000 ₽

Купить билет

2 400–12 000 ₽

Купить билет

1 200–3 600 ₽

Купить билет

🍪

Мы используем cookies подробнее