............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. ............................................................................. .............................................................................

Мариинский Театр 

Театры
4.8
4783 оценки
Реклама«Трипстер Лимитед», ИНН 9909537328.
ФГБУК Мариинский Театр
Обновлено 14 апреля 2026
РекламаИнформация о ценах не является публичной офертой
Опера
14
На исторической сцене Мариинского театра состоится первая весенняя премьера сезона — комическая опера Россини «Золушка». Ранее это сочинение звучало в полусценической версии в Концертном зале Мариинского театра. Полномасштабный спектакль будет представлен в режиссуре Катерины Малой. Художник по декорациям и костюмам — Вячеслав Окунев. Музыкальный руководитель — Валерий Гергиев. Мировая премьера «Золушки» Россини состоялась 25 января 1817 года в римском театре Валле. Для композитора она стала уже двадцатым сочинением в оперном жанре, притом что на тот момент Россини было только двадцать пять лет, а за его плечами уже был оглушительный успех «Севильского цирюльника», «Итальянки в Алжире» и других сочинений. Набросок либретто к «Золушке» был написан Якопо Ферретти за одну ночь, музыку Россини создал за двадцать четыре дня. Несмотря на почти провальную из-за спешной подготовки премьеру, вскоре «Золушка» начала триумфальное шествие по мировым сценам, став одной из самых репертуарных опер. Сюжет знаменитой сказки Шарля Перро композитор решил перенести в современную для себя эпоху. Злую мачеху заменил вредный отчим дон Маньифико, а крестную фею — мудрый наставник принца по имени Алидоро. В этой опере нет ни кареты-тыквы, ни даже хрустальной туфельки — место волшебных превращений заняли чудеса человеческого голоса и искрометность жанра оперы-буффа. Слушателей ждет погружение в удивительный мир итальянской оперы с роскошной музыкальной гирляндой из арий, ансамблей, хоров и симфонических фрагментов с речитативами в промежутках. Найти исполнительницу партии Анджелины (так у Россини и Ферретти зовут главную героиню), написанной для колоратурного меццо-сопрано, — большая сложность. В этой партии блистали Фредерика фон Штаде, Тереза Берганса, Чечилия Бартоли, Ольга Бородина. Не меньший вызов — собрать виртуозных солистов и на другие партии: им, как и главной героине, по ходу действия нужно демонстрировать непринужденное владение бельканто в сольных номерах и соединяться в многолюдные филигранные ансамбли. Но солисты оперной труппы Мариинского театра приняли вызов и уже не раз успешно показали себя в сложнейших партиях. Кроме Концертного зала, в этом сезоне мариинская «Золушка» в полусценической версии побывала в Москве и Красноярске. Партии к премьере готовят: Анджелина (Золушка) — Цветана Омельчук, Дарья Росицкая, Светлана Карпова, Эвелина Агабалаева, Регина Рустамова, Ирина Шишкова; Клоринда — Анна Денисова, Юлия Сулейманова, Кристина Гонца, Анна Шульгина, Маргарита Иванова, Марина Алешонкова; Тисба — Анастасия Донец, Екатерина Латышева, Анна Князева, Альбина Шарафутдинова; Рамиро — Клим Тихонов, Денис Закиров, Александр Михайлов, Ярамир Низамутдинов; Алидоро — Магеррам Гусейнов, Владимир Феляуэр, Геворг Григорян, Илья Банник, Мирослав Молчанов; Дандини — Ярослав Петряник, Виктор Коротич, Сергей Романов, Максим Даминов, Егор Чубаков; Дон Маньифико — Денис Беганский, Николай Каменский, Яков Стрижак, Павел Шмулевич, Степан Завалишин.
1 2005 600
3
«Наказанный распутник, или Дон Жуан» – самая таинственная опера из трилогии Моцарта на либретто Лоренцо Да Понте. История ее создания окружена слухами и легендами: мол, в написании текста не обошлось без участия Казановы, увертюра сочинялась уже в ночь перед премьерой, а согласно бонвиванскому рассказу в мемуарах Да Понте, написание либретто сопровождалось не то токайским, не то марцимино – именно это вино просит подать на стол Дон Жуан в последней картине. Через восемь месяцев такой работы опера была исполнена в пражском Сословном театре – в октябре 1787 года – и с тех пор не сходит со сцены. Публику привлекают не только остросюжетная история, удивительно живая музыка Моцарта и ее гениальная изобретательность, но и сам герой, обладающий мощной негативной харизмой. Дон Жуан, испанский гранд, – проходимец, сластолюбец и либертин, не имеющий принципов, кроме тех, что объявил для себя сам. Он на порядок умнее и находчивее своего окружения и в некотором смысле играет в Бога, но – не то перейдя некую черту, не то по стечению обстоятельств – попадает под власть тех сил, с которыми не может совладать. Действуют они неявно, однако с момента убийства Командора, отца донны Анны, которое происходит в самом начале оперы, удача оставляет героя. Она выветривается незаметно, как аромат духов; о ее былом масштабе мы узнаём из арии его слуги Лепорелло, где оглашен список завоеванных Дон Жуаном красавиц, «дам всех сословий, всех примет и всяких лет» в общем количестве больше двух тысяч. После донны Анны ни одно соблазнение Дон Жуану не удается, однако удача все еще с ним – ее действие заключается в том, что герой легко выпутывается из любой ситуации. Обмен костюмами со слугой, бал-маскарад, обман разгневанного жениха, бегство от преследователей – все это не несет и следа отчаяния: наоборот, подано как очередная веселая дерзость, и даже когда статуя Командора на кладбище, где Дон Жуан и Лепорелло встречаются после очередной авантюры, начинает разговаривать, это не приводит Дон Жуана в мрачное расположение духа. Неожиданный приход Командора на ужин он встречает дерзко – и только в последний момент перед смертью чувствует страх и неотвратимость наказания. Секстет, которым завершается опера, – необходимое моралите, по силе художественного воздействия он значительно уступает сцене с Командором и даже кажется лишним, но в эпоху классицизма было немыслимо оставить финал оперы столь зловещим, почти что траурным. Постановка Йоханнеса Шаафа минималистична, выполнена в мрачных тонах, создающих второй план даже в светлых моментах музыки, оттеняя действие рока. Большие световые пятна, несколько фактурных предметов и детально проработанные костюмы – все это один из принятых способов избавить оперу от пышного исторического антуража, сформировать параллельно с музыкой общий эмоциональный фон происходящего и сосредоточить внимание на взаимодействии героев. Денис Великжанин
1 2005 600
4
Написанная тридцатилетним Прокофьевым «Любовь к трем апельсинам» – метафора любви к театру и карнавальной изнанке мира, к невозможности жить вне игры. Избрав сюжет комедии дель арте, композитор сочинил оперу об опере, ее чудесах, штампах и нелепостях, любезных зрителям и ему самому. Развенчать оперную «неправду жизни» ее же средствами оказалось лучшим способом эту неправду воспеть. В последнее время публика могла видеть полусценическое исполнение «Любви к трем апельсинам» в Концертном зале, но сейчас театр возвращается к полномасштабному спектаклю Александра Петрова и Вячеслава Окунева 1991 года. В обновленной версии можно будет услышать несколько поколений мариинских певцов: магов, волшебниц и королей, что взошли на трон еще в 1990-х, карнавальных героев, смешивших публику в 2000-х, и новых солистов, впервые выходящих в партиях придворных, принцев и принцесс.
1 2006 400
«Евгений Онегин» Пушкина, как известно, не поэма, а роман в стихах. Непривычное жанровое определение дал своему «Онегину» и Чайковский: не «опера», а «лирические сцены». Из «энциклопедии русской жизни» композитор выбрал главную сюжетную линию, наиболее близкую ему как художнику-лирику. Назвав на титуле только одного героя, Чайковский последовательно раскрывает слушателю три души: Татьяны (первый акт), Ленского (второй акт), Онегина (третий акт). Во всех трех образах Чайковский видел собственное отражение, и даже знаменитая сцена письма Татьяны рифмуется с эпизодом из жизни композитора, написавшего сценарий будущей оперы за одну ночь. «Лирические сцены» закончены в 1878 году, начаты в 1877-м, а еще годом ранее Чайковский присутствовал на открытии вагнеровского театра в Байройте. При всем антивагнерианстве русского композитора его внимание тоже обращено к внутреннему «я», событийная сторона драмы сведена к минимуму. Каждый элегический вздох оркестра, начиная с «секвенции Татьяны» в интродукции, передает тончайшие движения человеческой души. Чайковский вслед за Вагнером использует лейтмотивы – в первую очередь не героев и не предметов, а чувств. Поэтому музыка Татьяны столь естественно звучит и в сценах с Ленским, и в сценах с преображенным любовью Онегиным. Музыковед Борис Асафьев метко назвал «Евгения Онегина» «музыкальной поэмой». Самая прославленная опера Чайковского – это «симфоническая поэма» из семи картин-глав, поэма о надеждах и их крахе, о любви, о счастье, которое «было так возможно, так близко». «Евгений Онегин», идущий на исторической сцене Мариинского театра, – безупречный образец музыкально-театрального «почвенничества», в свое время удостоенный Государственной премии СССР. Премьера этого спектакля состоялась в 1982 году в театре, еще носившем имя Кирова. Пост художественного руководителя и главного дирижера театра в то время занимал Юрий Темирканов. «Онегин» – его детище, причем не только в сфере собственно музыки: дирижер выступил также в качестве режиссера-постановщика. Быть и дирижером, и режиссером в одном лице – сложнейшая задача, ведь «ты должен думать и о том, что делается в оркестре, и о том, как построить спектакль музыкально; невольно ты все время находишься на сцене, потому что каждое движение – это то, что ты пережил сам» (из интервью с Темиркановым). Первый Ленский легендарной постановки, Юрий Марусин, вспоминал: дирижер-режиссер лично показывал певцам нужную пластику, жесты и позы, выстраивая неразрывную связь между слышимым и видимым, между оркестровой ямой и сценой. Спектакль оформил Игорь Иванов, который занял в 1981 году пост главного художника театра. Стремясь к историческому реализму, сценограф детально воспроизвел русский быт первой четверти ХIХ века. Всякий, кто бывал в пушкинских местах Псковской области, легко узнает и господский дом с полукруглым окном и портиком, и скамью Онегина. Интерьер комнаты Татьяны цитирует фильм-оперу Романа Тихомирова (1958). «Богатый барский дом в Петербурге» в третьем акте вызывает в памяти строгое великолепие Белоколонного зала Дворянского собрания. При этом сценография Иванова – далеко не только красивые иллюстрации. Так, в финальной сцене объяснения Татьяны и Онегина за героями высятся массивные напольные часы, указывая на их главного врага – время, которое, будучи упущенным, не знает пощады. Органичный, слаженный во всех своих составляющих, эталонный темиркановский «Евгений Онегин» не только апеллирует к отечественному «культурному коду» – такие шедевры его и создают. Христина Батюшина.
1 8007 000
3
Оперу Верди «Сила судьбы», написанную композитором специально для Петербурга, в Мариинском исполняют в максимально аутентичном виде – в первой редакции и в декорациях, созданных для премьеры 1862 года. Нет, конечно, нынешние декорации – живописные задники и кулисы, костюмы и бутафория – сделаны уже в наше время, но по эскизам Андреаса Роллера, знаменитого театрального художника XIX века, готовившего первую постановку. Десять картин, придуманных Роллером, – готические интерьеры фамильных замков, мрачные скалистые пейзажи, архитектурные фантазии на темы средневековых монастырей – высоко оценил сам Верди. Он даже подумывал, не использовать ли декорации Роллера для постановки «Силы судьбы» в Ковент-Гардене. Внятно пересказать сюжет двадцать второй из двадцать шести опер Верди – задача не из легких. В нем есть и кровь, и любовь, и драма социального неравенства. Главная героиня, испанская аристократка Леонора, влюблена в Альваро, потомка перуанских индейцев. Оскорбленный брат Леоноры Карлос все четыре акта пытается им отомстить. Даже современники, привыкшие к запутанным романтическим либретто с высокой летальностью, считали его «великолепной чепухой» и «испанской пародией на драму» (Александр Серов). Но не пропустим определение «великолепная». Оно, безусловно, относится к музыке. Верди писал для итальянской труппы, лучших европейских певцов своего времени, ангажированных русской Дирекцией Императорских театров. Он предъявлял к голосам соотечественников самые высокие требования, безо всякой скидки на местные морозы. В «Силе судьбы» что ни вокальный номер, то шедевр. Чему отдать предпочтение? Романсу несчастной Леоноры с выразительным соло виолончели, ее арии перед монастырем или знаменитой «мелодии» в последней картине? Балладе Карлоса, его арии с виртуозной кабалеттой или же романсу Альваро с редкостным соло кларнета? Дуэту Леоноры с Альваро, двум дружеским дуэттино Альваро и Карлоса или их двум большим дуэтам – дуэлям? Как удачно распорядилась судьба, что Петербургу понадобилась своя собственная опера Верди!
1 2005 600
4
Все наверняка знают виртуозную пьесу «Полет шмеля», жужжащий образец музыкального perpetuum mobile. Но это лишь один фрагмент из красочной оперы Римского-Корсакова – мастера и поэта оркестра. Есть в «Сказке о царе Салтане» и картины моря, ночного леса, рассвета, предпосланные композитором каждому действию. Запомнятся слушателям расцветающие в оркестре пленительные мелодии Царевны Лебеди и грозный марш шумных морских витязей. Сам автор не без гордости называл эту партитуру «руководством к фокусам». Поскольку русский слушатель прекрасно знает сюжет, то либреттист Владимир Бельский и композитор, сказывая сказку в очередной раз, усложняют ее интригу новыми героями и ситуациями, украшают подробностями: безымянную жену Салтана у них зовут Милитриса, царство Салтана – это Тьмутаракань, а царевич Гвидон правит на острове Леденце. Но если Пушкин замечает, что сказочная белка, грызя орешки, «поет при честнóм при всем народе “Во саду ли, в огороде”», то Римский-Корсаков не отказывает себе в удовольствии эту песню процитировать. А встречу Гвидона жителями острова Буяна иллюстрирует хором на мотив знаменного распева, ведь поэт упомянул, что в тот момент «хор церковный Бога славит». В подобном узнавании и кроется во многом удовольствие от оперы: для юных зрителей это ожившая на сцене волшебная сказка, для более искушенных – образец условного театра, творческий комментарий одного художника, композитора-«фокусника», к тексту другого – поэта-«сказочника». Этот спектакль – один из самых красочных на мариинской сцене. Режиссер детского музыкального театра «Зазеркалье» Александр Петров привычно стремится занимать внимание зрителей живыми картинами. В этом ему помогает сценография Владимира Фирера. В декорациях и костюмах не случайно угадываются знаменитые книжные иллюстрации Ивана Билибина: постановка и была задумана как узнавание сказки Пушкина, любимой с детства. Анна Петрова
1 2005 600
4
Пушкин написал «Полтаву» за две недели, Чайковский «Мазепу» – за два года. Композитору-лирику сочинение монументальной военно-исторической оперы на сюжет знаменитой пушкинской поэмы давалось нелегко. Недаром он начал работу с большого дуэта Марии и Мазепы: его в первую очередь волновала психология, а не политика. В дуэте участвуют сопрано и баритон – редкий случай для оперного жанра, где партию возлюбленного главной героини, как правило, получает тенор. Здесь это невозможно: Мария юна, Мазепа стар. История кажется неправдоподобной, но она исторически достоверна. Третий угол любовного треугольника занимает Андрей – фигура, у Пушкина безымянная и малозначительная, однако в опере необходимая. И все же накал страстей в «Мазепе» связан прежде всего не с романтическим треугольником, организованным по принципу «любит – не любит», а с отношениями между девушкой и двумя ее отцами – родным и крестным, который святотатственно становится любовником своей крестницы. В этом втором, куда более напряженном треугольнике два старика схлестнулись за душу Марии, один из них проиграет и заплатит жизнью, а девушка тронется рассудком – что даст возможность Чайковскому завершить произведение типичной для романтической оперы сценой тихого безумия героини. Драма любви и предательства разворачивается на фоне обширной исторической панорамы с ярким украинским национальным колоритом, хорошо знакомым Чайковскому: сестра композитора жила на Украине. На сцене часто бывает многолюдно, народ гуляет, танцует, поет, молится. Победоносное Полтавское сражение 1709 года Чайковский живописует в эффектном симфоническом антракте к третьему акту. Свойственный «Мазепе» исторический размах воплощен в Мариинском театре во всем великолепии. В 2019 году театр отметил необычный юбилей: «Мазепа» прошел в пятисотый раз. Нынешний спектакль – капитальное возобновление постановки 1950 года. Лауреат Сталинской премии режиссер Илья Шлепянов и известный советский театральный художник Александр Константиновский создали эталон «большого стиля», вполне соответствующий музыке этой оперы. Здесь панночки чернобровы, а казаки носят шаровары; наряды расшиты жемчугами, оторочены соболями. Мощный оперный ампир «Мазепы» особенно порадует поклонников традиционного театра; однако в качестве аутентичного, тщательно отреставрированного памятника середины ХХ века эта постановка может заинтересовать любую публику. «Мазепа» – спектакль-долгожитель, который в почтенном возрасте не потерял ни харизмы, ни силы, как и его титульный герой. Христина Батюшина
1 2003 600
«Князь Игорь» в монументальных декорациях Вячеслава Окунева на исторической сцене Мариинского — классика эпической оперы. Композитор Александр Бородин сам написал либретто, основываясь на древнерусском эпосе «Слово о полку Игореве»; работа над оперой продолжалась почти два десятка лет, но закончить ее Бородин не успел. Партитуру произведения завершили друзья композитора — Римский-Корсаков, Лядов, Глазунов. Последний неоднократно слышал «Князя Игоря» в исполнении самого создателя на фортепиано, что позволило записать увертюру по памяти и увековечить эту гениальную музыку.
1 2004 800
Действие происходит в Китае в сказочные времена. Действие первое Берег моря, предрассветный час. Рыбак в лодке поет песню и слушает трели соловья. Прекрасное пение заставляет его забыть о своих горестях. На берег приходят придворные. Они горят желанием услышать чудесную птицу, о которой им столько рассказывала Кухарочка. Сам Император, узнав о том, какой прекрасный певец скрывается в его лесах, приказал найти его и доставить во дворец. Мычит корова, квакают лягушки – придворные принимают все эти звуки за пение соловья, но Кухарочка разубеждает их. Вельможи обещают сделать Кухарочку личным поваром Императора, лишь бы им удалось найти птицу. Наконец прилетает Соловей. Он охотно соглашается отправиться во дворец и спеть для Императора. Действие второе Слуги украшают дворец праздничными фонариками. Кухарочка рассказывает всем о Соловье: он маленький и невзрачный, но от его пения на глаза наворачиваются слезы. Появляется торжественная процессия, слуги вносят сидящего под балдахином повелителя Поднебесной. Соловей поет, и его прекрасные трели очаровывают Императора. Он хочет наградить певца золотой туфлей, но тот отказывается: лучшая награда для него – слезы на глазах слушателей. Прибывают японские послы. Они дарят Императору своего соловья – искусственного. Тот без устали может повторять одну и ту же мелодию множество раз. Пока все восхищенно слушают механическую птицу, живой соловей улетает. Император в возмущении объявляет его изгнанным из Китая, а японского соловья назначает «императорского столика ночного первым с левой стороны певцом». Действие третье Ночь. Император тяжело болен, в его покои является Смерть. У нее на голове корона Императора, в руках – его сабля и знамя. Возникают призраки былых дел, они настойчиво напоминают о себе. Император хочет заглушить их навязчивые голоса и зовет музыкантов, но внезапно прилетает Соловей. Очарованная его прекрасной песней, Смерть отдает Императору обратно корону, саблю и знамя. Она исчезает, и к Императору возвращаются силы. Повелитель Поднебесной хочет щедро отблагодарить своего спасителя, но Соловью не нужна награда. Он обещает прилетать во дворец каждую ночь и петь для Императора. Придворные, пришедшие почтить память своего правителя, застают его живым и здоровым. Издалека доносится песня Рыбака.
1 2003 600
4
О таких говорят: «Седина в бороду – бес в ребро». Состоятельный аристократ дон Паскуале на старости лет вздумал жениться. От любовной лихорадки пожилого скрягу излечивает молодежь, причем весьма сильнодействующим лекарством: заставив его на своей шкуре прочувствовать все «прелести» супружеской жизни с женой-мегерой. Старики в роли женихов издавна становились объектом для колкостей, но Доницетти в опере-буффа «Дон Паскуале» раскрывает классическую комедийную тему с долей меланхолии и сочувствия главному герою – быть может, потому, что композитор, который написал эту блестящую партитуру за невероятные одиннадцать дней, сам был в то время уже не молод и глубоко одинок. Оставаясь типовой комедией характеров-масок, восходящих к традициям итальянского уличного театра, «Дон Паскуале» – сочинение романтической эпохи и потому наполнено живыми чувствами. В завершение сезона 2021–2022 годов, после многолетнего перерыва, очень веселая и чуть грустная история возвращается на афишу Мариинского театра.
1 2004 200
4
Предсвадебные хлопоты приятны и волнующи, особенно если дело касается приобретения супружеской кровати. Но что, если на невесту-служанку положил глаз женатый высокородный хозяин, а на жениха претендует его немолодая кредиторша? Кажется, бог Эрос решил перетасовать все пары в замке графа Альмавивы, его стрелы свободно пересекают любые возрастные и сословные границы. В возникшем хаосе любовных притязаний легко запутаться; тучи над героями то сгущаются, то феерическим образом рассеиваются, однако всеобщая гармония в опере «Свадьба Фигаро» устанавливается только в финале. И дело не в том, что каждый получает достойную, по статусу, пару: слуга – служанку, графиня – графа, пубертатный подросток – подружку-ровесницу, мать-одиночка – отца своего ребенка. Главное в опере Моцарта – это торжество любви, победа любви как ясного, возвышенного и устойчивого состояния души над зыбкими влечениями тела. По законам классицистского театра все происходящее укладывается ровно в одни сутки: воистину безумный по комичности и абсурдности ситуаций день переходит в упоительную ночь, когда все узлы сложно закрученной интриги наконец развязываются. Следующее утро обещает быть совсем иным – добрым, чистым, честным, хотя вопрос, надолго ли, остается открытым. Затруднительные, нелепые, щекотливые и просто забавные положения, в которых герои оказались сначала у Бомарше, а вслед за ним – у Лоренцо да Понте и Моцарта, дают постановщикам уйму возможностей для проявления собственного остроумия. Спектакль Юрия Александрова наполнен режиссерскими находками и деталями (стоит взять театральный бинокль!), благодаря которым на сцене царит импровизационный дух комедии дель арте. В сценографии и костюмах (художник Вячеслав Окунев) изобилуют столь удобные для всяческих лукавых игр рюши, оборки, драпировки. Они пенятся, как шампанское, которое в финале второго акта брызжет по сцене в прямом смысле слова. По воле постановщиков в «Свадьбу Фигаро» вернулся завуалированный либреттистом социально-политический подтекст скандальной французской комедии, написанной за десять лет до взятия Бастилии. «Призраки революции» то буквально взламывают роскошные интерьеры графского замка, то заглядывают в окна, наблюдая за подозрительно неуклюжим танцем верноподданных «крестьянок», примеряющих цветочные гирлянды как армейские вещмешки. «Свадьба Фигаро» на исторической сцене Мариинского театра звучит на итальянском языке. В обновленных титрах зрители не прочтут привычных слов «Мальчик резвый, кудрявый, влюбленный», зато новый перевод позволит им приблизиться к оригиналу, обнаружить множество нюансов и по достоинству оценить пронизывающую его живость, чувственность и искрометную хлесткость. Христина Батюшина
1 2004 200
4
Шедевр ХХ века — оперу Шостаковича про взбунтовавшуюся купеческую жену Катерину Измайлову, в борьбе за свою любовь отравившую свекра-тирана и задушившую ненавистного мужа, — в Мариинском исполняют с 1990-х годов. Июньские спектакли знаменательны тем, что их будут записывать на видео. Поводом стал недавний дебют в титульной партии примадонны труппы Екатерины Семенчук: ее страстная и мятежная героиня сохраняет безупречный вокал и в любовных колыбельных, и в исступленных сценах-скандалах. На запись собран один из лучших вокальных составов спектакля. Дирижирует Валерий Гергиев.
1 2003 600
3
«Игрок» Прокофьева остается лучшей среди опер на сюжеты Достоевского, не самого «удобного» для музыкального театра писателя. В 1916 году сочинение было включено в план Мариинского театра, и ставить его должен был Всеволод Мейерхольд. Однако труппа взбунтовалась против «Игрока» — факт, достойный украсить биографию любого новатора! Опера Прокофьева звучала революционно не только благодаря «страшным» аккордам, так смущавшим мать композитора — и не только ее, но и благодаря новому ощущению сценического времени, концентрации событий, теперь так нам привычной, а сто лет назад шокировавшей. В репертуар Мариинского театра «Игрок» вошел лишь в 1991 году, став одной из первых кульминаций «прокофьевского ренессанса». Валерий Гергиев дважды записал «Игрока» — и получил за него «Золотую маску» в дирижерской номинации. В апреле, на который приходится день рождения Прокофьева, в Мариинском традиционно его музыка звучит больше.
1 2004 800
4
Балет
10
«Конек-Горбунок» 2009 года стал для Мариинского абсолютно новым спектаклем, но в то же время и возвращением к прошлому. Театр вновь обратился к уже звучавшей в его стенах музыке Родиона Щедрина. «Музыка к балету „Конек-Горбунок” – моя ранняя, очень ранняя работа, – комментировал композитор возращение на сцену своего сочинения спустя почти двадцать пять лет. – Но работа этапная, важная для моего творческого самоутверждения, многое в жизни моей определившая. Работа, на которой „поймал” я в свои музыкантские руки неземную Жар-Птицу – Майю Плисецкую. Ей эта партитура и посвящена… Конечно, „из сегодня” вижу я в своей юношеской работе многие наивности и несовершенства. Но писалась партитура искренне, честно и увлеченно. Это, полагаю, можно расслышать и ощутить ныне. „Не отрекусь от каждой строчки прошлой”, как писал Андрей Вознесенский. Я тоже намерений таких никак не имею. А полон я чувством предвкушения радости и творческого созидания».
2 1009 600
17
Петербургский балет живет легендами. О них вспоминают, ими гордятся, их стараются вернуть к жизни. «Каменный цветок» – одна из них, легенда с почти 60-летней историей. Для создателей этого балета поставленный в 1957 году «Каменный цветок» остался в памяти лучом света, света первых серьезных творческих побед. У Юрия Григоровича это была первая крупная постановка в театре, да еще и на русскую тему, на музыку любимого Прокофьева. А кроме того именно в этой работе сложился творческий тандем с художником Симоном Вирсаладзе, на долгие годы определивший их взаимный успех. Первым исполнителям, совсем молодым и известным тогда лишь в балетных кругах Ирине Колпаковой, Алле Осипенко, Александру Грибову и Анатолию Гридину, «Каменный цветок» сделал имена. Они впервые стали создателями ролей – не интерпретаторами давно существующих текстов, а сочинителями образов. Придуманные персонажи раскрыли их индивидуальности, об артистах заговорили. Да и в контексте истории русского балета «Каменный цветок» оказался лучом света – шагом прочь из нетанцевальности драмбалета. Сегодня с высоты прошедших лет это очевидно. А тогда в 1957-ом никаких революций никто намеренно не готовил, просто молодой хореограф и молодые артисты делали то, что им было интересно, а их интересы отличались от предпочтений поколения 1930-1940-х. «С большим теплом вспоминаю я те часы, когда вместе с главными исполнителями мы почти не выходили из репетиционного зала, – писала репетитор нового балета Татьяна Вечеслова, – да и весь наш досуг был наполнен мыслями о спектакле. ‹…› Времени не хватало – для работы, разговоров, споров»*. Для только что закончившей танцевать Вечесловой «Каменный цветок» стал первым репетиторским опытом, у нее тоже этим балетом начинался новый путь. Для художника Вирсаладзе спектакль по сказкам Бажова стал новой страницей творческой географии. Готовясь к постановке, они с Григоровичем ездили на Урал, и грузин Вирсаладзе открывал для себя не привычную ленинградскую, а деревенскую, народную Россию. Эта общая увлеченность поиском нового, помимо таланта каждого из создателей, стала одной из составляющих легенды. А легендой «Каменный цветок» очень скоро сделал его успех. Вдохновляющая похвала за «симфоническое повествование» от мудрого старшего наставника, авторитетнейшего хореографа Федора Лопухова, когда-то этот симфонизм в танце в своих постановках искавшего. Отзыв о «согласии, гармоничном слиянии музыки, хореографии и декорационного оформления» от композитора Дмитрия Шостаковича, не понаслышке знавшего, что такое работа с балетом. Обширную коллекцию похвал пополнили и впечатления режиссера Юрия Завадского. Удостоиться высоких оценок первых лиц профессии удается далеко не каждому новичку, а Григоровича «Каменный цветок» привел в Большой театр – уже в 1959 году спектакль был перенесен в главный театр страны. В Ленинграде, если верить сухим цифрам театральной статистики, в течение тридцати лет «Каменный цветок» оставался одним из самых посещаемых спектаклей, с 1957 по 1991 год его исполнили 191 раз. Вплоть до начала 1990-х легенда вдохновляла все новых и новых исполнителей. А для артистов поколения 2010-х, знающих о «Каменном цветке» лишь по рассказам и красивым старым фотографиям на школьных стенах, сегодня само имя Григоровича – легенда, синоним громкой славы советского балета. Замечания, да и просто присутствие в зале человека, лично знакомого со Стравинским, видевшего на сцене танцующего Баланчина, слушавшего рассказы Лифаря о постановке «Блудного сына» – это возможность прикоснуться к легенде. Ольга Макарова
3 75014 000
В сюжете балета «Корсар» есть все составляющие, необходимые для зрительского успеха: история про пиратов с кораблекрушением, похищениями, любовными страстями и коварными предательствами… А кроме того – разнообразие действующих лиц и хореографии, восточный колорит ярких костюмов, экзотические характерные танцы и торжественная гармония классики. Не случайно этот балет уже более полутора столетий не выходит из мирового репертуара. А историю свою он ведет из середины ХIХ века, когда композитор Адольф Адан написал партитуру на сюжет одноименной поэмы Джорджа Байрона, а хореограф Жозеф Мазилье сочинил танцы и в 1856 году показал спектакль на сцене Парижской оперы. С тех пор кто только ни прикладывал к нему руку – в балете появлялись новые сцены, в партитуру включались музыкальные номера других композиторов, словом, «Корсар» отправился в самостоятельное плавание по просторам европейских сцен. В Петербург он попал благодаря хореографу Жюлю Перро, а Мариус Петипа облагородил кричащую пестроту восточного базара рафинированно-классической картиной «Оживленный сад». И до нас «Корсар» дошел красочным марафоном разнообразных танцев, перемежающихся пантомимным выяснением отношений между персонажами. Танцев в спектакле хватает и кордебалету, и солистам. В хореографии во всей красе представлены выразительные возможности виртуозного классического танца, как женского, так и мужского: в спектакле две балеринские партии и три премьерские мужские. И редкие молодые танцовщики не мечтают блеснуть виртуозной техникой в вариациях и дуэтах этого спектакля – сорвать заслуженные аплодисменты безупречным исполнением фуэте или диагоналей поражающих воображение прыжковых трюков. Ольга Макарова
2 4009 600
3
Последний великий балет Петипа — «Раймонда» — появился на свет в 1898 году. В нем соединилось все самое лучшее из наработанного за долгую карьеру хореографа в Петербурге. Сюжет, основанный на средневековой рыцарской легенде, был лишь поводом сочинить роскошные танцы. В идиллию замка венгерской графини Раймонды вторгается варварский мир необузданных страстей: героиню и ее двор представляет классический танец, сарацина Абдерахмана со свитой — характерный. Партия главной героини — одна из самых трудных в классическом балетном репертуаре: балерина исполняет пять вариаций и красивейшие адажио, pas d’action, Grand Pas.
2 40012 000
4
Звездный час драмбалета ознаменовало появление в 1934 году в Ленинградском театре, еще не носившем тогда имени С.М. Кирова, спектакля «Бахчисарайский фонтан». В нем стремление приобщить хореографию к темам высокой литературы и ратование нового советского искусства за реалистичность выкристаллизовали новое направление развития балета. «Бахчисарайский фонтан» рождался в атмосфере творческих дискуссий прогрессивной культурной элиты Ленинграда: профессора консерватории, авторитетного композитора и музыковеда Бориса Асафьева, определявшего в те годы художественную политику театра режиссера Сергея Радлова, дирижера Евгения Мравинского, художника Валентины Ходасевич, либреттиста Николая Волкова, критика Ивана Соллертинского. В эпицентре художественно-театральной жизни оказался и 27-летний хореограф Ростислав Захаров. Его, дебютанта в большой балетной форме, выпускника режиссерского факультета Ленинградского института сценических искусств, зарекомендовавшего себя постановками танцев в операх и пластики в спектаклях радловского Молодого театра, пригласили стать автором хореографии нового балета. Вдохновленный недавно опубликованными «Письмами о танце» Новерра со вступительной статьей Соллертинского о действенности танца, молодой балетмейстер в новом спектакле стал переносить на балетную сцену хорошо усвоенные уроки режиссуры драмы. Танец подчас оставался на периферии внимания хореографа, балет рождался не из танца, а из действия, умело разыгранных мизансцен. В резонанс с предпочтениями постановщика вошел и актерский потенциал первых исполнителей. Выразительность назначенных на главные партии Галины Улановой и Константина Сергеева стала значительным вкладом в успех постановки. Раз и навсегда выбранный в «Бахчисарайском фонтане» творческий путь, постановка балетов-пьес, привел Захарова к признанию. Литературоцентризм стал «главной песней» Захарова и мейнстримом советского балета последующих двадцати лет. В поэтическую стихию балетного искусства, оперирующего исключительно категорией настоящего эмоционального (реального или нереального), вмещались бытовые подробности прозы. Недосказанность пушкинской поэзии требовала логических объяснений, и в «Бахчисарайском фонтане» появился новый персонаж – Вацлав, возлюбленный Марии, был включен в сюжет, чтобы подчеркнуть грань между миром, в котором была счастлива польская княжна Мария, и миром ее татарской неволи. Захаров приучил артистов к актерской работе над ролью, к неведомому им до того застольному периоду с режиссерским разбором характеров, конфликтов. И не случайно об исполнителях эпохи драмбалета нередко говорят: «Балерина – актриса, танцовщик – актер». Воплотить на сцене характеры пушкинских героев и тем самым заложить традиции актерской выразительности в советском балете стало миссией поколения 1930-1940-х. А зрителя Захаров и его единомышленники по воцарившемуся на советской сцене течению так называемого драмбалета приучили к вопросу «О чем танцуют?» Желая быть понятым, хореограф заставил зрителя думать и, порой, тем самым забыть о красноречии ненагруженного словесным подстрочником танца. Ольга Макарова.
2 40012 000
6
Граф переоделся крестьянином и разбил сердце деревенской девушке. Она сошла с ума, умерла и после антракта стала вилисой — так в Германии называли призрак девушки, погибшей до свадьбы. «Жизели» больше 180 лет, и теперь даже трудно определить автора хореографии, но композиция сохранилась прекрасно. Два акта — дневной сельский праздник и ночной шабаш на кладбище. Сцену сумасшествия Жизели балерины считают одной из вершин карьеры. Ансамбль вилис, встающих из могил и затанцовывающих до смерти запоздалых путников мужского пола, — абсолютный шедевр.
2 4009 000
3
Манифест балетного романтизма, «Сильфида» была создана в 1832 году хореографом Филиппом Тальони для его дочери, Марии Тальони, и стала одним из главных спектаклей ее жизни, открывшим ей путь к признанию, сделавшим ее имя легендарным. В этом балете она впервые поднялась на пуанты не ради удивления публики, а во имя художественной идеи: едва касаясь сцены кончиками пальцев, она создавала образ девы воздуха, зовущей прочь от земли, от прозы быта. Легкая, утонченная Тальони, словно преодолевая силу земного притяжения, своим танцем воплощала мир грез. Воздушность ее танца подчеркивал и костюм: летящий газовый тюник создавал ощущение невесомости, а белый цвет открытого платья подчеркивал свободу от земных страстей. Танец населявших фантастический мир небесных подруг Сильфиды был начисто лишен бытовых примет. Тогда как танцевальные характеристики персонажей реального мира – шотландских крестьян, одетых в яркие национальные костюмы – строились на основе народной хореографии. Манящему, прекрасному миру мечты, воспетому классическим танцем сильфид, хореограф противопоставлял и мрачный гротеск сцены шабаша нечисти: вокруг кипящего котла плясали ведьмы, вампиры, козлоногие карлики, гномы и джины. Из этого котла колдунья Мэдж извлекала роковой шарф – она была призвана разбить мечту романтического героя, устремившегося за прекрасным видением. По законам романтизма идеал недостижим: едва герой, пожелав остановить мгновение и обладать неуловимым, накидывал на плечи Сильфиды шарф, она умирала. Вдохновленные успехом первой «Сильфиды», многие хореографы создавали свои версии этого романтического балета. Младший современник Тальони, датский хореограф Август Бурнонвиль у себя на родине поставил свою «Сильфиду», варьировавшую тот же сюжет, повторявшую отдельные сцены шедевра Тальони, но сочиненную на другую партитуру – Хермана Левенскьольда (тогда как Сильфида Тальони танцевала на музыку Жана Шнейхоффера). Датчане сохранили тот спектакль, и именно он лег в основу постановки «Сильфиды» в Мариинском театре. Ольга Макарова.
2 4007 200
6
Балет «Анюта» родился из одноименного фильма-балета, поставленного для Екатерины Максимовой хореографом Владимиром Васильевым и режиссером Александром Белинским. Они наделили языком танца персонажей чеховского рассказа «Анна на шее», подчеркнув характеры образной музыкой Валерия Гаврилина. Экранный успех подтолкнул к созданию сценической версии постановки. В 1986 году трепетные фортепианные сочинения Гаврилина, подобранные и оркестрованные специально для хореографического воплощения сюжета Чехова, зазвучали не только в фильме, но и в театре. Многие эпизоды в спектакле разрослись, намеченные в фильме пластические черты героев превратились в развернутые танцевальные высказывания, и полюбившиеся телезрителям персонажи начали путешествие по многим сценам нашей страны. «Сегодня этот балет продолжает быть востребованным, заставляя зрителя сопереживать судьбам чеховских героев, – говорит хореограф Владимир Васильев, работающий с петербургскими артистами над подготовкой премьеры. – "Анюта" живет, наполняясь новыми красками с каждым новым поколением исполнителей. Мне кажется важным, чтобы балетные артисты имели возможность соприкоснуться с Чеховым и Гаврилиным на сцене, умели чувствовать сами и передавать зрителям удивительно тонкое ощущение добра и красоты, присущее этим авторам».
2 4009 000
3
«Шурале» Леонида Якобсона – красочная балетная сказка. Музыка к ней, насыщенная этническими интонациями, написана татарским композитором Фаридом Яруллиным, а либретто создано по мотивам мудрых татарских сказок. На сцене вершатся волшебные превращения птиц в красавиц-девушек, в дремучем лесу резвится нечисть – джинны, шайтаны и ведьмы развлекают плясками своего повелителя, лешего Шурале, а в татарской деревне с размахом празднуется свадьба... Причем персонажи спектакля «разговаривают» на разных пластических языках: мир Шурале и окружающих его в лесном царстве чудовищ решен с помощью гротеска, в фантастическом мире девушек-птиц речь героинь строится на классическом танце, в народных сценах основным выразительным средством является танец характерный. По традиции народных сказок в «Шурале» добро и любовь побеждают зло, в финале злой и коварный леший оказывается повержен отстаивающим справедливость влюбленным красавцем Али-Батыром. Однако Шурале вышел победителем в историческом соперничестве за право дать свое имя всему балету. Дело в том, что изначально поставленный в Казани как «Шурале», при переносе на ленинградскую сцену в 1950 году спектакль был переименован в «Али-Батыра» – считалось, что негоже называть советский балет именем нечистой силы. Но со временем историческая справедливость восторжествовала, и сегодня имя лешего Шурале украшает афишу Мариинского театра, приглашая зрителей на зрелищный спектакль с разнообразными танцами и увлекательным сюжетом.
2 4007 200
4
«Баядерка» – один из самых популярных балетов классического наследия. История любви, рассказанная трепетными танцевальными дуэтами и пантомимными диалогами, развернутыми кордебалетными ансамблями и эффектными танцами солистов. Красочное масштабное полотно, сотканное сложнейшим хореографическим текстом, «Баядерка» – это экзамен на профессионализм, балеринский и премьерский блеск и актерское мастерство для исполнителей. Мариус Петипа сочинил этот спектакль в 1877 году для бенефиса виртуозки Екатерины Вазем, стараясь максимально полно и в достойной оправе представить талант своей любимой балерины. Танцевальную поэму Петипа складывал исходя из сюжета о любви знатного индийского воина и храмовой танцовщицы. Экзотический колорит стал залогом зрелищности, а мелодраматичная история обманутой любви, типичная для театральной сцены середины XIX века, незатейливая в словесном изложении, в хореографических откровениях Петипа наполнилась глубиной, нюансами, обобщениями. Cо временем изменилась конструкция спектакля, выстроенная гениальным чутьем хореографа, который умел в нужной пропорции смешивать парадную дивертисментность дворцового праздника и пронзительный надрыв трагического монолога покинутой героини, напряженную эмоциональность пантомимного изображения земных событий и отстраненность классического танца в царстве теней. В ХХ веке «Баядерка» «похудела» на целый акт – рационализм советского взгляда на мир отверг простодушно бутафорское изображение возмездия за клятвопреступничество, а с финальным крушением дворца из спектакля исчезла и драматургическая и танцевальная развязка. Оставшиеся в балете реалии театрального XIX века, плюшевые тигры и слоны на колесиках, сегодня выглядят умилительно забавно, но их незатейливая конкретика оттеняет вневременную гармонию акта теней, чарующего шедевра Петипа, в котором его гений как никогда был близок к абсолюту. Ольга Макарова
5 00012 000
3
Остальное
7
от 1 500
2 1006 000
1 2004 200
🍪
Мы используем cookies подробнее