РекламаИнформация о ценах не является публичной офертой
Комедии
4
Алиса заселяется в просторную квартиру в Санкт-Петербурге, в которой начинает сбоить зеркало, показывая юной квартирантке параллельную реальность той же самой квартиры. Вот только проживает в этой параллельной реальности не Алиса, а тусовщик Иван. Сумеют ли молодые люди распознать настоящую любовь и по силам ли им окажется объединить свои миры, чтобы встретиться в реальности и просто прикоснуться друг к другу?
В канун Нового года девятилетний Ваня из Кирова, узнав о расставании родителей, отправляется в Великий Устюг, чтобы попросить Деда Мороза о чуде. Его путешествие окажется полным неожиданных встреч, опасностей и испытаний. Родители бросаются на поиски сына, но смогут ли они все исправить до того, как часы пробьют двенадцать?
Уже год, как Чебурашка живет у Гены. Ушастик взрослеет, и у друзей часто случаются разногласия: Чебурашка начинает проявлять излишнюю самостоятельность и хулиганить, а Гена пытается его воспитывать.
Героев приглашают на роскошный день рождения Сони, где ушастик случайно портит праздник. В надежде избежать очередной ссоры Чебурашка вместе с Соней и Гришей тайно сбегают в горы, где их ждут невероятные пейзажи и захватывающие, но опасные приключения! Обнаружив пропажу, взрослые объединяются, чтобы вернуть детей домой. Смогут ли они исправить ситуацию и научиться прислушиваться друг к другу?
В этот Новый год волшебный мир рушится, магия Деда Мороза слабеет, и этим решает воспользоваться злая колдунья Вьюга. Она предает Деда Мороза и отправляется в мир людей, чтобы укрыть его вечной стужей.
И теперь вся надежда на ожившего снеговика, которого слепила девочка Варя. Лишь вместе им под силу отыскать древний источник магии и разгадать загадки времени, чтобы победить злодейку Вьюгу и вернуть праздник!
Российская империя. Рубеж XIX и XX веков. Тринадцатилетний дворянин и сирота Ваня Огарев бежит из Москвы в Нижний Новгород, спасаясь от убийц, подосланных его собственным дядей, решившим завладеть наследством мальчика. Для своей защиты Ваня нанимает случайно подвернувшегося ему кулачного бойца Волчка. Волчок должен помочь Ване добраться в целости и сохранности до Нижнего — там его ждет верный друг отца. Но все мероприятие с самого начала трещит по швам: фантазер, аристократ, эстет Ваня и неотесанный, хмурый мужик Волчок едва выносят друг друга. Впереди их ждет опасное путешествие, которое навсегда изменит их обоих.
Однажды к папе Карло попадает древний волшебный ключ, который помогает исполнить любое желание. Одинокий мастер хочет только одного — сына. Желание уже почти исполнилось, но даже в сказках не все всегда идет по плану, оживает полено, из которого появляется мальчик — умный, веселый и… деревянный. Папа Карло очень любит сына, но Буратино (так он его назвал) постепенно понимает, что он не такой, как все, и отправляется в длинное и полное приключений путешествие, чтобы доказать папе, что он хороший и настоящий сын.
Новый «Буратино» создан по мотивам сказки Алексея Толстого «Золотой ключик, или Приключения Буратино» и вдохновлен легендарным советским телефильмом.
Жил-был мальчик по прозвищу Дядя Федор. Он очень любил животных, но его родители и слышать ничего не хотели о том, чтобы в их квартире завелся кто-то хвостатый и лохматый. И пришлось Дяде Федору со своими новыми приятелями — котом Матроскиным и верным псом Шариком — отправиться в деревню Простоквашино.
После жизни душам дается одна неделя, чтобы решить, где и с кем провести вечность. Попав на тот свет, Джоан сталкивается с невозможным выбором — между умершим в молодости первым возлюбленным и вторым мужем, с которым она прожила почти всю жизнь.
Спектакль Государственного академического центрального театра кукол им. С.В.Образцова (Москва).
Фантастический мюзикл в куклах для всей семьи по святочному рассказу Чарльза Диккенса «Рождественская песнь в прозе». В главных ролях — актер театра и кино Ефим Шифрин и заслуженный артист РФ Константин Дубичев. Режиссер — лауреат Российской Национальной театральной премии «Золотая маска» Алексей Франдетти.
Страшный скряга и брюзга Скрудж терпеть не может Рождества и не понимает всеобщего праздничного веселья. Но однажды в Сочельник ему являются три загадочных духа и словно на машине времени переносят его в прошлое и будущее, заставляя решительно изменить свою жизнь. Это ли не чудо? Мы попадем в зимний Лондон XIX века и почувствуем аромат английского Рождества!
Выдающийся художник Виктор Плотников, автор сценографии к «Snow Show» Славы Полунина, придумал для спектакля невероятные декорации, множество эффектных аттракционов и удивительных кукол, в том числе — огромных Призраков четырехметровой высоты. Музыка Андрея Рубцова звучит в исполнении актеров, хора и живого оркестра на сцене под управлением Михаила Фадеева.
Восьмилетняя Аврора нанимает своего таинственного соседа, чтобы тот уничтожил монстра, поглотившего ее семью. Подозревая, что ее родители могли пасть жертвой киллеров, охотящихся на него самого, сосед с чувством вины берется за дело. Чтобы спасти девочку, ему придется отразить атаку наемных убийц и признать: некоторые монстры — вполне реальны.
Когда Ман-су увольняют из бумажной компании, где он проработал десятилетия, он оказывается на грани отчаяния. Поиск новой работы затягивается, как петля на шее, и тогда в голову бедолаги приходит гениальный план — избавиться от всех конкурентов за заветное место самым радикальным способом…
Семеро друзей вместе с десятками других людей отправляются на сахарный завод для сезонной работы во время сбора урожая. Сперва работа проходит гладко, но однажды девушка выходит ночью из общежития и следует за загадочной фигурой. Вскоре рабочих охватывает страх: на производстве начинают происходить странные несчастные случаи, а через некоторое время сотрудники завода находят безжизненное тело одного из рабочих.
Грейс и Джексон сбегают из Нью-Йорка в горы Монтаны, чтобы начать жизнь заново — только они и их любовь. Но страсть постепенно сменяется одержимостью. Их уединенный рай превращается в кошмар, где любовь и безумие идут рука об руку.
«Четыре всадника» возвращаются вместе с молодым поколением иллюзионистов, демонстрируя головокружительные трюки, магию и превращения, каких еще не видел мир.
Богатыри ждут пополнения в своих семействах, но отечество снова нужно спасать. Нагрянула огромная, невесть откуда взявшаяся туча и грозит затмить весь белый свет и превратить день в ночь. Оставив все дела семейные, богатыри бросаются навстречу опасности. А хитрый купец Колыван как будто этого и ждал: набрав себе в помощники злодеев из подручных Бабы-яги, напал на княжество и много дел плохих натворил. Но не все коту масленица. Богатыри идут на помощь Князю, городу и верному Коню Юлию.
Мультфильм «Три Кота. Путешествие во времени» рассказывает о том, как котята, мечтая устроить маме и папе незабываемый праздник, случайно запускают диван-машину времени и отправляются в захватывающее путешествие через разные эпохи. Но главное открытие ждет их в финале: они становятся свидетелями первого дня встречи мамы и папы — и понимают, что лучший подарок семье хранится в самом времени.
Альманах из нескольких серий.
Молодой охотник на демонов Дэндзи, который ждал свидания со своей возлюбленной Макимой, попадает под ливень. Укрывшись от дождя, он случайно встречает девушку по имени Резе, работающую в соседнем кафе. Та добродушно ему улыбается, и разговор становится более непринужденным. После этой встречи повседневная жизнь Дэндзи начинает меняться...
XXV век нашей эры. Когда на голову нью-йоркского таксиста Корбена Далласа в буквальном смысле слова свалилась таинственная красавица с огненно рыжими волосами по имени Лулу, он и не подозревал, что это знакомство приведет к тому, что в самое ближайшее время ему придется спасать Землю. Межгалактические разборки грозят вот-вот закончиться для планеты коллапсом, остановить который можно, лишь собрав воедино четыре элемента — огонь, воду, воздух и землю — и добавив к ним загадочный пятый элемент.
От Италии эпохи Ренессанса — к современности: идеи Леонардо, изменившие мир.
Через 500 лет после того, как рука Леонардо прикоснулась к своему последнему произведению, он продолжает быть самым известным художником в мире и одной из самых влиятельных фигур в истории человечества.
От «Крещения» Андреа Верроккьо из Уффици, при создании которого Леонардо превзошел своего учителя и впервые показал себя новатором, до уникального пространственного решения «Тайной вечери» в Милане и от «Витрувианского человека», ставшего символом эпохи Возрождения, до Кодексов, в которых Леонардо предсказывал появление многоэтажных домов и даже подземного транспорта, — этот фильм беспрецедентно широко освещает наблюдения и открытия гения. Благодаря комментариям экспертов, среди которых известные искусствоведы и инженеры, а также исследованиям, проведенным с использованием искусственного интеллекта, произведения и теоретические труды Леонардо открываются в новом свете. Вслед за художником вы последуете из Тосканы, пейзажи которой навели его на мысль о полете, с высоты которого можно по-новому взглянуть на мир, в Милан, где проявился его гений инженера и стратега, и во Францию.
Художник, архитектор, натуралист, военный стратег, инженер, ученый — Леонардо предстает перед нами как исследователь в постоянном поиске новых открытий.
Из Лувра в Севилью. Путешествие шедевра Мурильо как повод заново открыть художника испанского барокко.
Незаслуженно забытый в течение полутора столетий, Бартоломе Эстебан Мурильо возвращается к зрителю как «испанский Рафаэль», главный художник барочной Севильи и автор шедевров из коллекции Лувра. Виртуозная легкость, с которой написаны его полотна, продолжает завораживать реставраторов, художников и любителей искусства.
Шедевр Бартоломе Эстебана Мурильо «Маленький нищий» из коллекции Лувра отправляется на родину — в Севилью, где был создан три с половиной века назад. Это путешествие становится отправной точкой для разговора о художнике, чья слава гремела в Европе в XVIII–XIX веках. Позже его картины были незаслуженно забыты, но сейчас Мурильо вновь привлекает зрителей глубиной и человечностью образов и виртуозной техникой.
Фильм, съемки которого прошли во Франции и Испании, заново открывает одного из знаковых испанских художников, предлагает комментарии искусствоведов, реставраторов и хранителей и погружает в атмосферу Севильи XVII века — города, который стал перекрестком культур и родиной испанского барокко.
2026 год. Мир на грани научного прорыва. В секретной лаборатории приходит в сознание человек, чье тело заморозили почти сто лет назад советские ученые. Его зовут Иннокентий Платонов, и он ничего не помнит о своем прошлом. Пытаясь найти место в новой реальности, он по крупицам восстанавливает историю своей жизни и эксперимента вековой давности, который может подарить человечеству бессмертие. И в этом ему сможет помочь только любовь, оставшаяся вне времени. Но чем дальше заходит исследование, чем ближе заветный результат, тем чаще причастные к нему задаются вопросом: не слишком ли высока его цена?
Спектакль Никиты Кобелева по мотивам романа Л.Н.Толстого.
Сценическая адаптация, над которой Никита Кобелев работал вместе с драматургом Дмитрием Богославским, включает мотивы и отдельные сцены из других произведений классика, среди них — повести «Крейцерова соната» и «Отец Сергий», неоконченный рассказ «Записки сумасшедшего». Впрочем, и сам Толстой на начальном этапе работы над романом, думал о том, чтобы «соединить в нем все свои замыслы», в числе прочих упоминая и эти сочинения.
Подход Никиты Кобелева к классическим текстам отличает пристальное внимание к смыслам произведения, режиссёр ищет не иллюстративного, но содержательного соответствия мыслям и идеям автора. Для Кобелева всегда важно актуальное звучание текста, то, как он резонирует с залом здесь и сейчас.
Лев Толстой — из тех авторов, к творчеству которых Александринский театр неоднократно обращался на разных этапах своей истории. В 1891 году здесь впервые на профессиональной сцене была поставлена пьеса «Плоды просвещения» (1890), к которой театр впоследствии возвращался (в том числе в 1907 году Евтихий Карпов поставил ее к 55-летию литературной деятельности Л.Н.Толстого). В 1895 году сразу после снятия цензурного запрета была представлена пьеса «Власть тьмы» (1886). Выдающийся режиссер и реформатор театра Всеволод Мейерхольд дважды ставил Толстого в Александринском: в 1911-м — «Живой труп», в 1918-м — драму «Петр Хлебник».
Последний роман Толстого «Воскресение» (работу над ним писатель с перерывами вел с 1889 по 1899 год) впервые поставлен в Александринке, в январе 2024 года премьера прошла на Новой сцене им. Вс.Мейерхольда, в мае этого же года спектакль переведен на Основную сцену.
В романе Толстого, который воссоздает широкую панораму русской жизни конца XIX века, режиссера прежде всего интересует частная история главного героя Дмитрия Нехлюдова:
«Для меня в романе было важно увидеть, «вскрыть» внутренний сюжет, не внешний. Мне интересно, как меняется главный герой, какой он путь проходит, пытаясь искупить то зло, которое причинил другому человеку, разобраться, а можно ли его вообще исправить? Нехлюдов старается облегчить участь девушки, которую когда-то обесчестил. Встречает ее случайно на суде. Прозревает и понемногу меняется. Он попадает в жизнь, которая была ему непривычна, которую он не знал. Воскресение — если говорить просто, это восстание из тела. Человек из горизонтальной жизни, в которой он был в богатстве и пресыщенности, пробуждается и открывается для жизни иной, ищет смысл для себя, то ради чего жить. Он знакомится с другой Россией, которую не знал, не видел. Пытается разобраться, где он, с кем он, кто он. Понять, что правильно, что неправильно».
В спектакле звучат фрагменты произведений Анджело Бадаламенти, Саймона Грина, Зака Кондона, Онра, Рюити Сакамото, Фредерика Шопена.
«Крик» во тьме: как искусство Эдварда Мунка преодолевало косность публики.
История одного из главных художников XX века Эдварда Мунка. Создатель знаменитого «Крика», он пожертвовал городу Осло дело всей своей жизни — несколько тысяч картин, рисунков и гравюр. Но если при жизни соотечественники часто подвергали его жестокой критике, то после смерти он стал жертвой бюрократии и равнодушия.
В 1944 году Эдвард Мунк умирает и оставляет городу Осло беспрецедентный дар — несколько тысяч картин, рисунков и гравюр, включая знаменитый «Крик». Фильм рассказывает драматическую историю и самого художника, который при жизни часто становился объектом едкой критики, и собрания его произведений. Как музейная коллекция оно стало общедоступным только в 1963 году — и с тех пор успело подвергнуться вооружённом ограблению (украденные шедевры были возвращены спустя два года) и переехать в новое здание, вокруг которого разгорелись не менее жаркие споры, чем вокруг самого творчества художника.
Уникальные архивные кадры, комментарии искусствоведов и исследователей и сами картины погружают зрителей в мир Эдварда Мунка — одного из создателей экспрессионизма в искусстве и человека, одержимого амбициозной целью принести своим творчеством свет во тьму — для себя и для людей.
Август 1944 года. Глухие леса Западной Белоруссии. Средиземье, недавно освобожденная территория — особая зона, где действуют оставленные в советском тылу вражеские разведывательно-диверсионные группы. Советские войска переходят государственную границу, война поворачивает вспять. Помешать этому может удар в спину наступающей армии. Предотвратить нападение могут только контрразведчики СМЕРШ.
Вишнетерапия на сцене Театра Пушкина: Виктория Исакова и Александр Петров в чеховской комедии катастроф.
Режиссер Владимир Мирзоев поставил классическую трагикомедию Чехова как трезвую, но не безжалостную притчу, одновременно смешную и грустную. Одна эпоха уже вынуждена сойти со сцены, но будущее еще туманно.
Обаятельная помещица Раневская возвращается из Парижа в родное имение, за долги выставленное на аукцион.
Предприимчивый купец Лопахин предлагает вырубить чудесный вишневый сад, чтобы сдавать участки под дачи. Но никто не хочет его слушать. Вместо решения давно назревших проблем Раневская устраивает маленький праздничный вечер, тратя последние деньги. В это время Лопахин покупает имение.
Смешное и трагическое превращение Шарика в человека от театрального экспериментатора Антона Федорова.
Повесть Михаила Булгакова «Собачье сердце» впервые, еще до появления в печати, была поставлена Генриеттой Яновской в театре МТЮЗ в 1987 году.
Теперь, спустя более чем 30 лет, режиссер Антон Федоров предлагает свое прочтение этого великого сюжета на сцене того же театра.
Для Федорова хрестоматийная повесть Булгакова оказывается совершенно новым и в некотором смысле неизведанным материалом. И это становится режиссерским принципом: чем более знакомым нам кажется литературный текст, тем больше поводов для разговора он предлагает. Так, частью этого разговора становится и история его интерпретаций.
Документальный фильм о революционном пути дирижера Теодора Курентзиса и его оркестра musicAeterna.
Этот документальный фильм 2016 года — редкая возможность увидеть, как Теодор Курентзис и musicAeterna работали над легендарной записью оперы Моцарта «Дон Жуан», получившей множество престижных наград. Долгосрочное сотрудничество компании-мейджора Sony Classical с российским коллективом само по себе уникально. Контракт на запись сразу трех самых известных опер Моцарта в исторически информированном исполнении в Пермском оперном театре — явление, выходящее из ряда вон. Решение дирижера перезаписать всю партитуру «Дон Жуана» заново и согласие звукозаписывающей компании на это — невероятное событие в сфере музыкального бизнеса. Но оно произошло. Как и почему — исследует режиссер Кристиан Бергер. Его фильм — это поэтичное, медитативное и вдумчивое наблюдение за процессом создания одной из самых значительных работ musicAeterna «пермского периода», а также биографический портрет дирижера-бунтаря и его оркестра: сообщества соратников и единомышленников, совершающих революцию в мире музыки.
Пока весь мир считает, что Пермь — это где-то там, где заканчивается Европа, дирижер Теодор Курентзис и его оркестр musicAeterna меняют мир классической музыки и превращают уральский промышленный город в один из крупнейших культурных центров России и Европы. Фильм Кристиана Бергера сочетает высокие журналистские стандарты с интригующим подходом к миру классической музыки и артистам. Документалист заглядывает за кулисы творческого процесса и увенчивает всю конструкцию бессмертной музыкой Моцарта.
«Укрощение строптивой» — наиболее дерзкая комедия Уилльяма Шекспира о взаимоотношениях двух чудаков, Катарины и Петруччо, упорно пытающихся перехитрить друг друга, чтобы в конце концов прийти к двусмысленному и довольно спорному умозаключению.
Доктор Фауст, охваченный жаждой знания, бросает учебу ради занятий магией и заключает сделку с дьяволом: если Мефистофель будет служить Фаусту при жизни, доктор отдаст свою душу дьяволу после смерти. На время этого театрального представления сцена «Глобуса» превратится в поле битвы между Люцифером и ангелами за душу одного человека.
Пьеса Кристофера Марло «Доктор Фауст» считается одной из наиболее значительных и известных трагедий, написанных до Шекспира.
26.12 — Саша Малой + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
27.12 в 17:30 — Елизавета Варвара Аранова + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
27.12 в 20:00 — Валентин Сидоров + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
2.01 в 19:00 — Андрей Атлас + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
2.01 в 20:00 — Павел Дедищев + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
3.01 в 17:00 — Никита Шевчук (Сольный стендап-концерт «Фантазёр»);
3.01 в 20:00 — Ольга Малащенко + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
4.01 в 19:00 — Роман Косицын + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
4.01 в 20:00 — Расул Чабдаров, Тимур Каргинов + 3 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
5.01 в 16:30 — Евгений Чебатков + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
5.01 в 20:00 — Евгений Чебатков + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
6.01 в 19:00 — Валера Артюхов, Олег Щербак, Егор Свирский, Руслан Мухаметов + 1 хедлайнер (ведущий) ТНТ и Labelcom;
6.01 в 20:00 — Артем Винокур + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
7.01 в 19:00 — Константин Бутаков, Гоша Рубайло, Ян Зубков, Андрей Цеховский + 1 хедлайнер (ведущий) ТНТ и Labelcom;
7.01 в 20:00 — Саша Малой, Динара Курбанова + 3 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
8.01 в 19:00 — Найка Казиева, Виктория Македонская, Карина Салихова, Елена Корнеева + 1 хедлайнер (ведущий) ТНТ и Labelcom;
8.01 в 20:00 — Ирина Мягкова + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
9.01 в 19:00 — Елена Новикова, Динара Курбанова, Настя Веневитина, Вера Котельникова + 1 хедлайнер (ведущий) ТНТ и Labelcom;
10.01 — Сауле Юсупова + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
16.01 — Расул Чабдаров + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
17.01 — Тимур Каргинов + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
23.01 в 19:30 — Надя Джабраилова + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
23.01 в 20:00 — Юлия Ахмедова+ 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
24.01 — Валентин Сидоров + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
30.01 — Сауле Юсупова + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
31.01 в 17:30 — Андрей Атлас + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
31.01 в 20:00 — Иван Половинкин + 4 хедлайнера ТНТ и Labelcom;
«Главный стендап» — это самые масштабные концерты от StandUp Msk, на которых выступают лучшие комики ТНТ и Labelcom. Точно будет смешно!
Обращаем ваше внимание, что стоимость билетов увеличивается ближе к дате мероприятия.
Вместе с нами открываем новые грани живых стендап концертов!
Выступают 4 комика + ведущий концерта с лучшим материалом. Состав частично скрыт. Кого-то из комиков мы откроем, кого-то просто опишем. Также возможны сольные концерты в рамках проекта (например, 03.01 в 17:00 - Никита Шевчук).
Почему скрыт состав? Мы гордимся тем, что каждую неделю вы доверяете нашим закрытым лайн-апам. Благодаря многолетнему опыту организации стендап-мероприятий, мы тщательно собираем составы на концерты. Список комиков держится в секрете не только для того, чтобы сделать вам приятный сюрприз на концерте: стендаперы «не светят» лишний раз лица на афишах, а гости, зачастую, получают возможность увидеть очень известных комиков не за космические деньги.
На таких мероприятиях уже выступали: Надя Джабраилова, Виктор Комаров, Гурам Амарян, Сергей Орлов, Артур Чапарян, Андрей Атлас, Елена Новикова, Роман Косицын, Павел Дедищев, Расул Чабдаров, Богдан Лисевский, Ярослава Тринадцатко, Никита Дубровский, Вера Котельникова, Дима Гаврилов, Андрей Колмачевский и многие другие.
Импровизационное общение с залом.
Если человек в сильном алкогольном опьянении, его могут не пустить.
Продолжительность: 2 часа.
Мероприятие проходит в таких залах как:
«Pulsar» — большой концертный зал с театральной посадкой на 600 мест. Часть зала — партер, часть — со столиками на двоих. Всё шоу работает бар и кухня. На сайте StandUp Msk и Bartello можно сделать предзаказ меню только на местах за столами.
«Каро Октябрь», «Каро Атриум», «Синема Парк Багратионовская» — уютные кинозалы на 300 человек. Можно со своей едой и напитками.
«Центральный Дом Работников Искусств» — уютный концертный зал на 300 мест в центре Москвы. Часть зала — партер у сцены, а также есть камерная «ложа бенуара» у стены. Вход в зал с едой и напитками запрещен. Для гостей работают кафе и буфет.
StandUp_Msk — это стендап-комьюнити комиков со всей России. У нас выступают участники всех популярных стендап-шоу на ТВ и YouTube. На вечер мы превращаем кафе, рестораны и бары по всей Москве в настоящие комедийные клубы.
Мероприятие строго 18+.
Если хотите задать вопрос или уточнить не повторится ли кто-то из комиков при посещении наших мероприятий снова — звоните по номеру +7 (926) 851-85-89 или пишите сразу в телеграм @standupmoskvich
Теодор Курентзис представляет международный фестивальный оркестр Utopia, в котором принимают участие 116 музыкантов из 30 стран мира.
Программа первого концерта Utopia включает произведения, эталонно воплощающие творческие установки своей эпохи — первых десятилетий XX века. Оркестр исполняет Третью оркестровую сюиту Игоря Стравинского из балета «Жар-Птица» и два сочинения Мориса Равеля: Вторую сюиту из балета «Дафнис и Хлоя» и хореографическую поэму для оркестра «Вальс».
Концертная программа строится вокруг атмосферы утонченной артистичности, которой был пропитан воздух Европы в первые десятилетия XX века, когда художники провозгласили поворот от метафизики к чувственному опыту и декоративности. В искусстве видели прежде всего источник изысканного удовольствия и культивировали «особый дар художественного восприятия».
В музыке это выразилось в стремлении композиторов создавать предельно изощренные партитуры, полные утонченных деталей. В музыку для оркестра проникла рафинированная изобретательность, прежде привычная, скорее, для камерных жанров: сложные и хрупкие гармонии, прихотливые текстуры, гибкая до капризности ритмика, необычные тембры, виртуозная исполнительская техника и калейдоскопические, едва ли не коллажные формы. Это была эпоха цветущей сложности, когда амбициозные художники, очевидно, считали зазорным ставить себе планку ниже совершенства.
В программу вошли сочинения Мориса Равеля и Игоря Стравинского — авторов, чьи сочинения в тот период продвинулись на пути к совершенству дальше других. В начале века центром художественных и музыкальных инноваций был балет — поэтому неудивительно, что все три опуса были задуманы как танцевальные проекты для антрепризы Дягилева, а позже прочно вошли в концертный репертуар («Жар-птица» и «Дафнис и Хлоя» в виде сюит, «Вальс» как самостоятельная пьеса).
Все сочинения вечера эталонно воплощают творческие установки своей эпохи. Это остроумно придуманная и филигранно выполненная музыка, вещи в себе, изысканные артефакты для тонких ценителей. Новейшие достижения в искусстве оркестровки, резкие танцевальные ритмы и исступленные апофеозы выражают здесь «восходящую прогрессию звучности, к которой сцена добавляет свет и движение» (слова, которые Равель произнес о «Вальсе», возражая против избыточно драматичных трактовок этой музыки). Сюжетом во всех пьесах служит та или иная форма золотого века, утопии, помещенной в прошлое – древнегреческая пастораль, «незапамятные времена» русских сказок или австрийский императорский двор времён расцвета. А их яркие краски и преимущественно светлый колорит скрывают своеобразный эскапизм – человеческое, слишком человеческое желание спрятать тёмные стороны жизни за нарядным занавесом.
Программа:
Игорь Стравинский (1882—1971)
Сюита для оркестра № 3 из балета «Жар-Птица» (1945)
Морис Равель (1875—1937)
Сюита для оркестра № 2 из балета «Дафнис и Хлоя» (1912)
Хореографическая поэма для оркестра «Вальс» (1919—1920)
Фантасмагорическая сказка на уникальной водной сцене Боденского озера.
«Вольный стрелок» — леденящая душу мрачная фантастическая история с оттенком сказок братьев Гримм — впервые ставится на масштабной сцене Боденского озера в невероятных декорациях Филиппа Штельцля.
«В яблочко!» — гордо написал Карл-Мария фон Вебер своему либреттисту Фридриху Кинду после триумфальной премьеры «Вольного стрелка» в 1821 году в Берлине. Это произведение с его эмоциональной и захватывающей музыкой скоро стало считаться образцом немецкой романтической оперы. Одна из наиболее популярных немецкоязычных опер, «Вольный стрелок» ставится на сцене Боденского озера впервые.
Это вторая совместная работа творческого дуэта художника и режиссера-постановщика Филиппа Штельцля и дирижера Энрике Маццола после имевшего феноменальный успех «Риголетто» Джузеппе Верди.
Постановка Детского музыкального театра им. Наталии Сац (Москва).
Пятая из 15 опер Римского-Корсакова, написанная по одноименной повести Николая Гоголя из цикла «Вечера на хуторе близ Диканьки».
«Былью-колядкой» назвал композитор эту свою оперу. В Детском музыкальном театре имени Наталии Сац она продолжает линию по созданию спектаклей, которые должны познакомить юных зрителей со знаменитыми произведениями русской литературы и с великим наследием мировой и отечественной оперной музыки. Не только познакомить, но и влюбить в нее. В данном случае — в чудесную рождественскую сказку Гоголя — Римского-Корсакова.
Лучано Паваротти в фильме, пропитанном духом Ренессанса. Обязательный пункт в меню каждого оперного гурмана.
Фильм Поннеля, рассказывающий мелодраматичную кровавую историю о горбатом шуте, его похищенной дочери и мести, которая обернулась ужасной катастрофой, воспроизводит вердиевскую драму буквально: великолепные локации — пышные, но обветшалые дворцы, прибрежные трущобы, скученный город; разодетые придворные, карлики в шутовских нарядах, герцог, облаченный в позолоченные гирлянды из фруктов. Его двор не только распущен, но и развратен, антисанитария — тоже в духе времени: мыши в салате!
В роли лукавого герцога, «ненавидящего верность, как чуму», — великий Лучано Паваротти. Его легендарный голос, сияющий, как солнце, и звенящий, как золото, идеально передает легкомысленную натуру харизматичного соблазнителя. Эдита Груберова играет нежную, трогательную Джильду с восхитительно чистым, нежным и плавным сопрано. Ингвар Виксель оживляет культового шута со всем его злобным юмором, глубокой горечью, любовью, паранойей, яростью и тоской. Венчает ансамбль исполнителей Ферруччо Фурланетто, едва узнаваемый из-за взъерошенных, как у пещерного человека, волос и гнилых зубов, — жуткий Спарафучиле. А Риккардо Шайи дирижирует оркестром Венской оперы с первобытной энергией и непринужденностью.
Никогда еще Италия эпохи Возрождения не представала на экране так пышно и реалистично, как в фильме Жана-Пьера Поннеля «Риголетто», экранизации знаменитой оперы Верди. Главной звездой фильма является прославленный тенор Лучано Паваротти в роли циничного и распутного герцога Мантуанского — одной из его известнейших партий. Роль Риголетто великолепно исполняет шведский баритон Ингвар Виксель, а его прекрасную дочь Джильду поет Эдита Груберова, одна из лучших колоратурных сопрано своего поколения.
Режиссер Жан-Пьер Поннель, «чьи работы в кино и на телевидении вдохнули новую и грандиозно красочную жизнь в оперный жанр» (The New York Times), известный итальянский оператор Паскуалино де Сантис («Смерть в Венеции») и архитектор Джанни Куаранта создают завораживающую и уникальную атмосферу. Драма разворачивается мощно и реалистично, чему способствуют исторические локации, в которых снимался фильм: Театро Фарнезе в Парме, Палаццо дель Те в Мантуе, знаменитый своими фресками авторства Джулио Романо, и Театро Олимпико в Виченце, сконструированный архитектором Андреа Палладио по образцу древнегреческих театронов.
Яркое прочтение партитуры Верди дирижером Риккардо Шайи во главе Венского филармонического оркестра, чутко отзывающегося на его руку, прекрасно дополняет красочную интерпретацию Поннеля.
Пятьдесят оттенков черного. Драма Верди с «венценосной» Асмик Григорян; режиссерский взгляд Кирилла Серебренникова на мировую историю и историю костюма.
Исторический костюм — основа режиссерской интерпретации этой «не костюмной» постановки. На сцене — НИИ, занимающийся изучением и сохранением одежды исторических персонажей оперы Верди. Герои примеряют и исследуют костюмы, вживаясь в свои роли. Исключение — Поза (Этьен Дюпюи), активист, борющийся против ужасных условий труда на швейных фабриках и ухудшения экологии. В аутодафе для него горят не еретики — горит сама планета!
Любимица мировой оперы Асмик Григорян дебютирует здесь в роли Елизаветы, и драма в институте разворачивается, когда генеральный директор Филипп (Роберто Тальявини) подозревает ее в измене с молодым сотрудником Карлом (Джошуа Герреро).
Филипп Жордан производит мощное впечатление: от благородных валторн в начале до виолончели, вздыхающей во вступлении к арии Филиппа, — оркестр, кажется, дышит вместе с музыкой.
В своей новой постановке «Дона Карлоса» Верди режиссер Кирилл Серебренников помещает действие оперы в научно-исследовательский институт истории костюма, совмещая таким образом прошлое с настоящим.
Дирижер Филипп Жордан получил много похвал за свою утонченную интерпретацию. Джошуа Герреро мастерски исполняет партию Дона Карлоса, а Родриго ди Поза в исполнении Этьена Дюпюи — очаровательный борец за свободу. Роберто Тальявини прекрасен в роли Филиппа II, а Эв-Мод Юбо и Асмик Григорян — дебютирующая здесь в партии Елизаветы — одинаково великолепны, и их исполнение нашло глубокий отклик у зрителей. «Вокальная роскошь высшего класса» (Die Deutsche Bühne).
Скандальные хроники потомков Троянской войны. Хуан Диего Флорес, Энеа Скала и Анастасия Бартоли — в самой интригующей опере Россини.
«Эрмиона», партитура которой значительно отличается от традиционных произведений Россини, имеет почти мифическую репутацию среди его поклонников и, безусловно, стала самой ожидаемой новинкой Оперного фестиваля в Пезаро 2024 года.
Декорации Хайке Шееле — концентрические прямоугольники с неоновой подсветкой — и костюмы Хорхе Хары в стиле панк и неоромантик конца 1970-х — начала 1980-х годов создают мизансцены, напоминающие поп-клипы того периода.
Нарциссичный Пирр (Энеа Скала), отвергнутая возлюбленная Эрмиона (Анастасия Бартоли) и элегантный, музыкально интеллигентный Орест (Хуан Диего Флорес) находятся во власти страстей и, ища свою выгоду, дают и нарушают обещания, манипулируют, угрожают, лгут и запугивают друг друга. Режиссер постановки Йоханнес Эрат о главных героях оперы говорит так: «Публика любит наблюдать, как люди грызутся друг с другом, словно звери на арене; точно так же это происходит и сегодня, когда мы упиваемся, смакуя скандалы в желтой прессе».
Возобновление редко исполняемой оперы Дж. Россини «Эрмиона» («Гермиона») на фестивале Россини в Пезаро (площадка — массивная спортивная арена «Витрифриго») успешно осуществил режиссер Йоханнес Эрат.
В основе оперы лежит сюжет из древнегреческого эпоса времен Троянской войны. После падения Трои царь Пирр, сын Ахилла, разрывается между двумя женщинами: своей пленницей, спартанской царевной Эрмионой, на которой должен жениться, и новой страстью к Андромахе, вдове Гектора. Это приводит к вспышке ревности и конфликту Пирра и Ореста, который сам любит Эрмиону.
Оркестр Итальянского радио под управлением Микеле Мариотти играет безупречно, сообщая партитуре истинную жизнь и страсть. Сопрано Анастасия Бартоли в партии Эрмионы получила много похвал за свой масштабный голос, а неизменно безупречный Хуан Диего Флорес в партии Ореста прекрасно звучит вместе с Бартоли в нежных и полных волшебства дуэтах. Энеа Скала в роли Пирра впечатляет своим динамическим тенором.
В целом возобновление постановки имело большой успех и в очередной раз подтвердило высокий класс фестиваля в исполнении россиниевской музыки. «Эффектная постановка Йоханнеса Эрата — настоящее пиршество для глаз, но в то же время спектакль вполне доверяет экспериментальной музыке Россини — хроматическим вспышкам, прерванным мелодиям и декламационному стилю — задачу обеспечивать драму». (The Financial Times)
Удивительно атмосферная, даже по меркам классических «Щелкунчиков», по-настоящему рождественская версия балета со сцены Дрезденской оперы.
Сказка рождается на глазах у зрителей благодаря одному фантазеру и двум найденным им на рождественской ярмарке игрушкам — Щелкунчику и мыши.
Мир детских фантазий, где куклы могут оживать, а диван с легкостью превращается в волшебные новогодние сани, встречается с идеальным миром юношеских грез, где твоей прекрасной любви все рады, где нет тревог и сомнений, а есть лишь радость, красота и веселье. И пусть в реальности, да и в сказке, за счастье придется сражаться, первая любовь стоит того.
«Щелкунчик» из Дрездена в хореографии Аарона Уоткина и Джейсона Бичи — добрая, уютная балетная сказка, в которой наравне с мировыми звездами уровня Иржи Бубеничека самое активное участие принимают юные студенты балетной школы.
В красивых, действительно сказочных рождественских декорациях разворачивается хорошо знакомая, но от этого не менее любимая история про девочку и подаренного ей деревянного солдатика — слегка уродливый инструмент для колки орехов. Такие игрушки традиционны для больших ярмарок типа дрезденской, они и были здесь когда-то придуманы. На ярмарке впервые увидел Щелкунчика и Гофман, сделавший его героем своей сказки.
Преодолев страхи, девочка сражается за любимую игрушку с полчищем мышей, и за свою смелость получает награду — прекрасного принца и волшебное царство сладостей в придачу.
Если первый акт дрезденского «Щелкунчика» — это царство детского танца, очаровательного и изящного, убедительного и трогательного в своей вере в чудеса, это веселая ярмарка, домашний праздник, битва на игрушечных лошадках и удивительное кружево зимнего леса, то второй акт — это праздник в царстве сладостей, шумное и пестрое торжество (в котором участвуют и «ожившие» куклы Мари) в честь принца и его спасительницы. Но, как и любой сказке, этой тоже придется закончиться: Мари проснется, но вера в чудо не покинет ее с завершением этого волшебного, теплого и счастливого сна, полного приключений и любви.
Волшебная рождественская сказка с исторической сцены Большого театра.
Главная рождественская сказка, обязательная составляющая новогодних праздников, чудо и волшебство, предчувствие и ожидание праздника, гениальная и любимая музыка — все это «Щелкунчик», сказочный балет по мотивам сказки Гофмана.
«Щелкунчик» — самая новогодняя из всех сказок. А балет Юрия Григоровича самый новогодний из всех «Щелкунчиков». С первых тактов музыки, с первой снежинкой, летящей над сценой, зрителей неизбежно накрывает предвкушение настоящего праздника. Девочки в нарядных платьицах, мальчики с сабельками, чудесные игрушки Дроссельмейера — и наконец, под самую прекрасную и волнующую музыку растет елка, превращая взрослых циничных зрителей в ожидающих чуда детей. И чудо непременно произойдет. А то, что в итоге вся история окажется лишь сном маленькой девочки, так на то и Новый год, чтобы мечтать и видеть сказочные сны.
Смотреть «Щелкунчика» Большого театра в кинотеатрах по всей стране стало уже доброй традицией для многих зрителей в разных городах России. Ведь чудо не может наскучить! Начнется волшебство и вступит в свои права настоящая магия, на которую способны только великий театр и прекрасные артисты.
Либретто Юрия Григоровича по одноименной сказке Эрнста Теодора Амадея Гофмана (с использованием мотивов сценария Мариуса Петипа).
Постановка Московского академического музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко.
«Спектакль по мотивам сказки Ганса Христиана Андерсена на музыку великого русского композитора Петра Ильича Чайковского станет сказочным танцевальным воплощением классического сюжета, — делится своим замыслом хореограф-постановщик Максим Севагин. — Поставить это произведение было моей детской мечтой, и я вынашивал идею создания балета более десяти лет. Сказка Андерсена — невероятно благодатный материал: большое количество ярких персонажей, мотивы христианской философии, темы дороги, развития, трансформации и преображения на пути к совершенству».
В своем балете хореограф остается верен сюжетной линии литературного источника — истории Кая и Герды.
В качестве музыкальной основы своего произведения Максим Севагин выбрал фрагменты из Четвертой, Пятой и Шестой симфоний Чайковского, став продолжателем традиций театра и знаменитого хореографа Владимира Бурмейстера, поставившего в 1961 году оригинальный балет «Снегурочка» на основе сказки А.Н.Островского и авторской партитуры из музыкальных произведений Петра Ильича.
В спектакле «Зефир»*, как и в остальных работах знаменитого французского хореографа Мурада Мерзуки, уличные танцы, главным образом хип-хоп и брейк, встречаются с эстетикой сцены и зрелищностью шоу. Это не только столкновение и взаимопроникновение миров, но и попытки выйти за возможности человеческого тела.
Бросая вызов законам природы, хореограф в своих работах экспериментирует с танцами по вертикали, с невесомостью, с оптическими иллюзиями и цифровой реальностью, виртуозно работает со светом и объемами. И это всегда сумасшедше эффектное зрелище.
В «Зефире» полем действия для Мерзуки становится «корабль» — его трюм, палуба, паруса, окружающие его бескрайние просторы моря: вода, то тихая и убаюкивающая, то грозная и опасная. Команда корабля — блистательные артисты труппы Kafig — вместе со зрителями отправляется исследовать неизведанное — в окружающем мире, и в себе самих.
________________________
*Зефир — теплый западный ветер, иногда довольно порывистый и быстрый, достигающий силы бури.
В детстве и юности Мурад Мерзуки учился в цирковой школе, затем занимался боевыми искусствами, чуть позже его внимание привлек хип-хоп. Все это соединилось в его творческом видении в единый «котел», из которого он, подобно колдунье, вынимает все новые волшебные смеси.
Свою новую смесь по имени Zephyr он приправил морской водой, пьянящим воздухом свободы, дикой качкой, смертельными опасностями, головокружением, усталостью и упоением бескрайними просторами.
Хореограф убежден, что между танцем и странствиями очень много общего: «Самое прекрасное путешествие — это то, которое мы еще не совершили», — сказал известный моряк. Именно потому, что всегда есть архипелаг возможностей для исследования, неизвестное место, которым можно восхищаться, я продолжаю этот поиск, который заставляет меня плавать из одной территории в другую. Здесь эта территория — Вандея, отправная точка мифических экспедиций, и в более широком смысле обращена к океану фантазий об укрощении ветров и приливов.
У художников и исследователей много общего, мы ищем пространство свободы и носим с собой наши мечты и решимость в качестве багажа. Нас сближает и желание отправиться в уникальное приключение и разделить необычный опыт с как можно большим количеством людей.
Я выбрал курсом для своего «Зефира» вызов для человека перед лицом сил природы. То, что является самой сутью жизни в море: рукопашный бой с ветром».
Время жизни, как и время года, надо благодарно принимать: балет Мартина Шлепфера на музыку оратории Гайдна
Балет «Времена года» на сцене Венской оперы поставлен на музыку и по мотивам великого произведения Йозефа Гайдна — монументальной светской оратории, посвященной циклам в жизни природы и людей.
Гайдн проиллюстрировал своей музыкой поэму Джеймса Томсона, а Мартин Шлепфер проиллюстрировал танцем музыку Гайдна. Получилось красиво и элегантно. Местами задумчиво, местами остроумно, а местами драматично — и очень поучительно. Людям полезно иногда вспоминать, что они, при всех амбициях и достижениях, — часть природы и иногда безнадежно зависимы от нее.
Размышляя о смене времен года и следуя контрастам музыки, Мартин Шлепфер изящно микширует классику и современный танец и объясняется в любви окружающему нас миру.
Йозеф Гайдн написал свою светскую ораторию «Времена года» на либретто барона Готфрид ван Свитена. В основе этого либретто — поэма британца Джеймса Томсона, который в свою очередь опирался во многом на поэму Джона Мильтона «Потерянный рай». Балет «Времена года» Мартина Шлепфера на сцене Венской оперы продолжает эту перекличку и вновь возвращает зрителя к размышлениям о том, что жизнь человека так или иначе связана с природой.
Это произведение, впитавшее в себя огромный пласт европейской культуры, стало, возможно, главным в творчестве Шлепфера: хореограф работал над «Временами года» 25 лет, черпая вдохновение и мудрость в великой музыке Гайдна. Ее сила и лиричность дают импульс артистам — танцующим и поющим — и оркестру, создавая единый ансамбль. За весной приходит лето, за осенью — зима, а люди расцветают и увядают, как и природа. Все в этом мире тленно, но пока есть жизнь — есть любовь, дружба, есть радость созерцания, надежда и отчаяние, жар и холод, праздник урожая и первые цветы. Есть красота — не только природы, но музыки, пения и танца.
На пути домой и к счастью: Владимир Малахов и Надя Сайдакова в главной рождественской сказке.
Иногда путь к счастью бывает не только долгим, но и опасным. Юная Мари знает это на собственном опыте: в детстве ее жестоко разлучили с родной матерью. Страхи детских воспоминаний преследуют Мари. Но однажды ей суждено не только вернуться в родной дом, но и найти свою любовь!
Спектакль Патриса Барта со сцены Берлинской оперы — это классический танец и причудливые виньетки сюжета, это большая звезда балета Владимир Малахов в партии Щелкунчика и Даниэль Баренбойм за дирижерским пультом, это элегантность костюмов и декораций и настроение сбывшейся мечты, за которую пришлось всерьез побороться. Это праздник, которого так ждешь.
Сколь сказочный, столь и мистический, «Щелкунчик» Гофмана прекрасен, в том числе и тем, что является открытым для множества самых разных интерпретаций. Французский хореограф Патрис Барт выбрал трактовку с историческим уклоном.
В отличие от классической версии, начинающейся идиллией и ожиданием праздника, в спектакле Барта история (да и жизнь героини) начинается со страшных испытаний. Его Мари — дочь герцогини, похищенная в детстве из родного дома, разлученная с матерью во время вооруженного мятежа. Мари живет в приемной семье — но призраки прошлого не отпускают ее. Однажды на Рождество девочка получает в подарок Щелкунчика, одетого в костюм гвардейца: кукла напоминает ей о пережитой в детстве трагедии. Из царства ночных кошмаров ее спасает загадочный Дроссельмейер, который отводит Мари к ее настоящей матери, что правит теперь в стране снегов. Там девушка и находит свое счастье.
Искать точные исторические отсылки в постановке Барта вряд ли стоит. В конце концов балет мы любим не за это. Спектакль, вписанный в некий исторический контекст, при этом остается классическим по структуре и прекрасным — по чистоте танца.
Главная звезда его, конечно, Владимир Малахов. Знаменитый выпускник Московской академии балета, сделавший западную и восточную (сейчас он худрук в Токио) карьеру, — обладатель уникальных балетных данных, которые в народе называют «танцует как дышит». Его принц — образец аристократического балетного стиля, но не менее хороши и исполнительницы двух главных женских ролей Надя Сайдакова (Мари) и Беатрис Кноп (герцогиня). Мари, своей мечтательной задумчивостью отчего-то напоминающая пушкинскую Татьяну, не веселая резвая девочка, которой часто изображают героиню «Щелкунчика». Ее грусть, страхи и надежды отзываются в совсем не пряничной музыке Чайковского, ее любовь, ясная и чистая, звучит не как фантазия, но как сбывшееся, выстраданное счастье.
«Щелкунчик» со сцены Берлинской оперы не наивная детская сказка, но путь домой или путь к себе — через испытания, мечты и зарождение новых чувств.
