Мюзикл для детей, специально созданный для Самарского академического театра оперы и балета.
Каждый мечтает найти Волшебную лампу с Джинном, который исполнит заветное желание, но когда рядом есть друзья, все мечты сбываются и без волшебства. И добро непременно победит зло, а влюблённые сердца встретятся. Для этого нужно только сделать первый шаг.
Простой портной Аладдин пробирается во дворец, чтобы увидеть прекрасную царевну Будур. Но неожиданно становится свидетелем злого заговора Главного Визиря, который хочет завладеть троном и жениться на Будур.
Кто поможет Аладдину спасти царевну? Джинн из Волшебной лампы? Где же ее отыскать?
Обновлено 31 декабря 2025
РекламаИнформация о ценах не является публичной офертой
Комедии
1
Мюзиклы
1
Спектакль «Метель» по бессмертной повести Александра Сергеевича Пушкина — это театрализованная фантазия, сплетающая в единое звучание эпохи начала XIX века: прозаический текст и романсы на стихи Пушкина, актерскую игру, вокал, музыку Георгия Свиридова в исполнении артистов оркестра и уникальное видео оформление.
В спектакле принимают участие солисты оперы и камерный ансамбль театра.
«Наша задача, подчеркнуть чистоту и поэтичность пушкинского текста, обрамив его трогательной музыкой Свиридова». – говорят постановщики спектакля.
700–1 000 ₽
Опера
13
«Родился зайчик в лесу и всё боялся. Треснет где-нибудь сучок, вспорхнет птица, упадет с дерева ком снега, – у зайчика душа в пятки.
Боялся зайчик день, боялся два, боялся неделю, боялся год; а потом вырос он большой, и вдруг надоело ему бояться».
Сергей Баневич сочинил оперу по «Сказке про храброго Зайца» весной 2016 года для артистов Академии молодых оперных певцов Мариинского театра.
Обратившись к сказке Мамина-Сибиряка, композитор и соавтор либретто, петербургский журналист и писатель Олег Сердобольский дополнили ее сюжет и придумали новые действующие лица.
Веселая, поучительная и очень добрая история про бесстрашного Зайца в сочетании с замечательной музыкой доставит большую радость маленьким и взрослым зрителям.
500–700 ₽
Бывает, что жизнь преподносит нам сюрпризы. Иногда они приятные: хорошо, когда репка вырастает большая-пребольшая. Но тогда возникает проблема — как же ее вытащить? Только сообща, помирившись и оставив в стороне все разногласия. Чтобы знакомая всем с детства сказка стала самой настоящей оперой, пусть и рассчитанной на очень маленького зрителя, в сюжет были внесены дополнения. Кроме привычных персонажей, здесь действуют и новые герои — поющие или иначе звучащие деревья и птицы, а также рассказчик-Скоморох. «Репка» — первая опера композитора Рустама Сагдиева. Мариинский театр предложил ему написать детскую оперу на русскую тему, фольклорность которой проявлялась бы не только в музыке, но и в текстах, и в сюжете. «Основной материал оперы — это песни из разных регионов России, несколько стилизованные, видоизмененные, но все равно узнаваемые. В каком-то смысле эту оперу можно назвать хрестоматией русского фольклора для детей», — поясняет автор. С тех пор он успел создать еще несколько опер для детей и взрослых.
500–700 ₽
«Про Ивана-молодца и подарки из ларца» – это веселый спектакль в жанре оперы для детей с приключенческим сюжетом о похищении коварными разбойниками невесты воеводы Ивана и чудесном ее возвращении, благодаря народной мудрости, дружбе и взаимопомощи ее героев. Красочный и динамичный спектакль включает интерактивные моменты, в которых участвуют юные зрители – без них не обходится ни один поворот в сюжете. Музыка спектакля очень легкая для восприятия – это мелодичные песни и народная танцевальная музыка. Русские, татарские, чувашские, мордовские интонации и костюмы как яркие ленты вплетены в его художественное оформление. Спектакль также сопровождается красочным видеоконтентом. В постановке принимают участие солисты оперы, артисты хора и оркестра. Перед сценой зала размещается небольшой инструментальный ансамбль, и дети в непосредственной близости могут понаблюдать за игрой музыкантов.
500–600 ₽
Пусть Ханс Кристиан Андерсен и числится главным сказочником Европы, нельзя говорить, будто он писал только для детей. Лишь вырастая, мы можем по-настоящему оценить филигранное изящество его сказок. Написанные им истории нежны как звуки скрипок и флейт, но со страниц его книг то и дело веет ледяным скандинавским ветром. Андерсен не делает вида, будто в мире рядом с добром не соседствует зло, будто жизнь продолжается бесконечно, — но он показывает, как любовь, надежда и вера делают ненапрасным существование всего живого, будь то люди или розовые кусты. Истории Андерсена заслуживают того, чтобы обрамить их звучанием оркестра, — ведь музыка, как и эти сказки, воздействует на сердце слушателя напрямую. И вот композитор Сергей Баневич вместе с поэтом Татьяной Калининой написал оперу «История Кая и Герды» по сказке «Снежная королева». В ней любовь противостоит ледяному холоду бездушной вечности. Настоящая самоотверженная любовь, а не просто желание иметь кого-то в своей собственности.
300–1 000 ₽
Одна из самых популярных опер мира, зингшпиль Моцарта впервые поставлен в самарском театре. Правда, на камерной сцене, зато зрители сидят на сцене, а представление идет в зале. Главреж Оперного Михаил Панджавидзе ставит «Флейту» как домашний спектакль времен Моцарта, колонны и люстра Малого зала служат декорацией, их дополняет огромная ель, за которой прячется оркестр.
300–1 500 ₽
Опера "Евгений Онегин" - это одно из самых известных и любимых произведений русской оперной классики.
Главный герой оперы - Евгений Онегин, элегантный и холодный молодой аристократ. Он встречает простодушную и романтичную Татьяну Ларину и отвергает ее искреннюю любовь.
"Евгений Онегин" - это история о любви, обиде, сожалении и осознании собственных ошибок.
Эта опера оставляет глубокий след в душе тех, кто ее слышит и видит. Она напоминает нам о важности принятия решений, о том, что любовь и судьба - непредсказуемые и могут привести к самым неожиданным поворотам.
300–2 500 ₽
«Севильский цирюльник» — не оригинальное название этой оперы, хотя она основана на пьесе «Севильский цирюльник, или Тщетная предосторожность». Поначалу опера называлась «Альмавива, или Тщетная предосторожность» («Almaviva, ossia l’inutile precauzione»). Россини дал своему произведению такое название потому, что опера с названием, идентичным пьесе Бомарше, уже была написана — ее автором был Джованни Паизиелло (1740-1816), и она была давно, с 1782 года, популярна на оперной сцене. Кроме Паизиелло, к тому времени на сюжет «Севильского цирюльника» оперы написали Александр Рейнагл (1794), Николя Изуар (1796), Франческо Моларки (1816) и многие другие.
Россини в 1816 году обязался написать для театра Аржентина в Риме к карнавалу новую оперу. Однако цензура запрещала одно за другим все предлагаемые им либретто. Оставалось совсем мало времени до карнавала, и тогда было решено использовать разрешенную цензурой тему. Так возникла мысль о «Севильском цирюльнике». Россини обратился к Паизиелло за разрешением, и тот ответил любезным согласием, не сомневаясь в провале оперы молодого композитора. Новое либретто написал Чезаре Стербини. Россини сочинял быстро. Но стремительность, с которой был написан «Севильский цирюльник» (композитор использовал многое из предыдущих своих произведений), удивительна. Сочинение и инструментовка заняли меньше трех недель.
Премьера прошла неудачно, поскольку была фактически сорвана поклонниками Паизиелло. Второе и последовавшие за ним исполнения оперы, состоявшиеся на той же неделе, прошли гораздо успешнее. С тех пор опера не сходит со сцены. В Самарском театре оперы и балета нынешняя постановка – уже восьмая: «Севильский цирюльник» ставился здесь в 1931, 1936, 1940, 1946, 1952, 1963 и 1976 годах.
Увертюра, которую мы всегда слышим, когда опера исполняется сегодня, не является оригинальной. Изначальная увертюра была неким попурри из популярных испанских мелодий. Её партитура странным образом пропала вскоре после первого исполнения оперы. Тогда Россини, известный своей леностью, вытащил из своего сундука какую-то старую увертюру, которую написал ещё за семь лет до того для забытой теперь оперы «Странный случай» («L’Equivoco stravagante»). Она уже сослужила ему службу, когда он должен был подвергнуть сокращению увертюры к двум другим операм — «Аврелиан и Пальмира» и «Елизавета, королева английская». Но если её живые, лёгкие мелодии едва ли кажутся подходящими для трагедии о королеве английской, то к «Севильскому цирюльнику» подходят весьма органично.
300–2 500 ₽
«Аида», действие которой происходит в Древнем Египте, была написана для современного Египта своей эпохи и впервые увидела свет на сцене одного из первых театров африканского континента – королевской опере Каира. В этой опере есть все, что привлекает публику в театр, – любовь и соперничество, война и страсть, экзотические танцы и торжественные шествия. А размах событий, совершающихся в ней, – война одной нации с другой, реванш побежденных, политика и шпионаж, – заставляет постановщиков век за веком соревноваться в пышности и эффектности сценических воплощений «Аиды».
Зрители же упоенно следят за тем, как египетский военачальник Радамес, пленная эфиопская принцесса Аида и дочь фараона Амнерис должны сделать невозможный выбор: любовь или Родина, любовь или свобода, любовь или месть, а в конечном счете – любовь или жизнь. Передать ту космических масштабов драму, что разворачивается в душе каждого из героев, помогает безупречное оркестровое и мелодическое письмо Верди, достигшего в этой опере вершины своего композиторского мастерства.
Постановка оперы Джузеппе Верди «Аида» всегда была для нашего театра большим событием, для которого приглашались лучшие режиссеры и художники. В 1930-х годах две постановки выпустил работавший тогда в штате театра дирижер Исидор Зак, впоследствии вставший у истоков Новосибирского и Челябинского оперных театров. Сценографом «Аиды» 1946 года был выдающийся театральный художник Симон Вирсаладзе, чьи работы до сих пор являются образцом для коллег. А спектакль 1974 года оформляли мать и дочь, Тамара и Ирина Старженецкие – театральные художницы и живописцы, много работавшие в Большом театре. В 1992 свою постановку «Аиды» создал хореограф Игорь Чернышёв, который возглавлял балетную труппу САТОБ (КТОБ) с 1979 по 1995 годы, а по сути являлся художественным руководителем театра. Поскольку в «Аиде» много инструментальной музыки и есть даже отдельная балетная сцена, эта опера дает большой простор и для режиссерской, и для балетмейстерской работы. Спектакль Чернышёва, который хвалили за традиционность, но критиковали за отсутствие изысканности, пробыл в репертуаре САТОБ 16 сезонов.
Нынешняя постановка «Аиды» стала лауреатом самарской театральной премии зрительских симпатий «Браво» в номинации «Лучший музыкальный спектакль».
300–2 500 ₽
«Пиковая дама» Петра Чайковского – визитная карточка российского оперного наследия, одна из немногих русскоязычных опер, закрепившихся в международном репертуаре. Любовь и азарт, роковая тайна и жертвующая спокойной жизнью страсть – повесть Пушкина, написанная в стиле светского анекдота, на оперной сцене перевоплотилась в трагедию из екатерининских времен, которая потрясает психологической правдивостью воспроизведения мыслей и чувств героев, их надежд, страданий и гибели, яркостью картин эпохи.
Опера Чайковского стала новым словом не только в творчестве самого композитора, но и в развитии всей русской оперы. Никому из русских композиторов прежде не удавалось достигнуть такой силы драматического воздействия и глубины проникновения в самые потаенные уголки человеческой души, раскрыть сложный мир подсознательного, безотчетно движущего нашими действиями и поступками.
Мистическая и мрачная история о деструктивной одержимости тремя картами получила в САТОБ почти десяток постановок: она ставилась в 1932, 1934, 1937, 1947, 1951, 1958, 1967, 1976 и 1990 годах, причем режиссером последнего спектакля был главный балетмейстер театра Игорь Чернышёв. Нынешняя постановка Михаила Панджавидзе была номинирована на Российскую национальную премию «Золотая маска» как лучшая опера своего сезона, а за премии в частных номинациях соревновались режиссер Михаил Панджавидзе, дирижер Александр Анисимов, Ирина Крикунова (исполнительница партии Лизы) и Михаил Губский (исполнитель партии Германа).
300–2 500 ₽
6
Сюжет печальной истории Маргариты Готье принадлежит перу Александра Дюма-сына, создавшего роман (1848), а позже драму «Дама с камелиями». Эти произведения принесли автору небывалую известность. Прототипом героини являлась знаменитая парижская куртизанка, Мари Дюплесси, привлекавшая мужчин чувственной красотой и незаурядным умом. Среди ее поклонников был и сам Дюма, тогда начинающий оратор. Вмешательство Дюма-отца, прославленного автора «Трех мушкетеров», стало причиной разрыва любовных отношений. Вернувшись из длительного путешествия, молодой Дюма узнал о смерти возлюбленной. Когда вскоре после этого роман «Дама с камелиями» был издан, в его героях все узнали реальных персонажей – Мари Дюплесси и самого автора.
Присутствовавший на парижской премьере «Дамы с камелиями» Джузеппе Верди был очарован смелым произведением и загорелся идеей создания оперы. Соавтором композитора стал один из лучших итальянских либреттистов Франческо Мария Пьяве. Писатель создал яркую картину современных нравов, а композитор воплотил в звуках совершенный образ главной героини. С большим мастерством ему удалось выразить культ свободы, свойственный красавице, ее нежную и страстную любовь, и, наконец, самопожертвование.
Сделав главной героиней оперы женщину, отвергнутую обществом («травиата» – по-итальянски «падшая»), композитор показал благородство и душевную красоту Виолетты. Горячее сочувствие к судьбе куртизанки, осуждение лицемерия общественных нравов, изображение на оперной сцене событий современной жизни – все это нарушало традиции музыкального театра и стало главной причиной провала оперы в 1853 году.
Несмотря на неудачную премьеру, Верди верил в блистательное будущее своей оперы. И действительно, поставленная в Венеции через год, «Травиата» имела оглушительный успех. Спустя некоторое время эта опера стала одной из самых знаменитых в репертуаре музыкального театра и обошла сцены лучших театров мира.
Познакомившись с оперой, Дюма сказал: «Через пятьдесят лет никто не вспомнил бы о моей "Даме с камелиями", но Верди обессмертил ее».
За последние полвека в нашем театре сменилось всего три постановки оперы «Травиата», включая нынешнюю. И два предыдущих спектакля были созданы выдающимися мастерами режиссуры, причем не столичными. Спектакль 1961 года ставил татарский певец и педагог Нияз Даутов, солист и главный режиссер Татарского театра оперы и балета. А постановкой «Травиаты» 1988 года занималась Земфира Цаликова, первая в Северной Осетии женщина-режиссер музыкального театра, впоследствии воспитавшая несколько поколений театральных деятелей.
300–2 500 ₽
Сюжет «Кармен» взят из новеллы Проспера Мериме, но ее содержание претерпело существенные изменения. Анри Мельяк и Людовик Галеви разработали либретто, насытив его драматизмом, углубили эмоциональные контрасты, создали новые образы действующих лиц, во многом отличные от их прототипов. В центре круговорота событий – красивая, страстная и свободолюбивая цыганка. Музыка оперы, полная жизни и света, ярко утверждает свободу человеческой личности. С большим мастерством воссоздан национальный колорит и обстановка действия драмы. Сила оптимизма «Кармен» – в неразрывной внутренней связи героев и народа.
Это последняя опера Жоржа Бизе, и она прошла тернистый путь к славе и сценам мировых театров. Первая постановка «Кармен», как это ни странно, закончилась полным провалом. Публика оказалась не готова к подобному реализму на сцене и газеты обвинили композитора в безнравственности. Однако именно негативные рецензии создали «Кармен» огромную популярность. В немалой степени возвращению оперы на парижскую сцену способствовали триумфальные гастроли в Европе, России и Америке. Пётр Чайковский писал: «Опера Бизе – шедевр, одна из тех немногих вещей, которым суждено отразить в себе в сильнейшей степени музыкальные стремления целой эпохи. Лет через десять "Кармен" будет самой популярной оперой в мире…». Так и вышло – спустя полтора века «Кармен» неизменно присутствует в топ-10 самых исполняемых опер планеты.
В Самаре за XX век сменилось десять постановок «Кармен». Нынешний спектакль – уже одиннадцатый. Особенно примечательным был спектакль 1984 года, поставленный Земфирой Цаликовой – первой женщиной-режиссером музыкального театра из Северной Осетии. Ее «Кармен» пробыла в репертуаре 27 сезонов, и в ней успели спеть два директора нашего театра: тенора Вильям Семашко и Александр Сибирцев выходили в этой постановке на сцену в партии Хозе.
Режиссер-постановщик Георгий Исаакян перед премьерой предупреждал: «Отталкиваться мы будем, как и в повести Мериме, от воспоминаний Хозе в камере смертников – эту мысль мы делаем основной для нашей истории. Мне всегда казалось, что Кармен вроде бы для всех, но на самом деле всегда одна и сама для себя. Испания, безусловно, проникает в спектакль, но идет очень изысканно-культурным путем. И в этом смысле соединение XIX века с XXI-м у нас, конечно, наличествует».
300–2 500 ₽
Источником для либретто, написанного Александром Бородиным при участии критика Владимира Стасова, послужил памятник древнерусской литературы «Слово о полку Игореве», рассказывающий о неудачном походе новгород-северского князя Игоря против половцев в 1185 году.
Врач, ученый-химик, преподаватель Бородин сочинял свою единственную оперу в течение 18 лет в перерывах между научными открытиями, продвижением женского образования и уходом за тяжелобольной женой. Он скончался, не успев дописать «Князя Игоря», и оперу по его черновикам завершили Александр Глазунов и Николай Римский-Корсаков.
Премьерой «Князя Игоря» открылся в 1933 году третий сезон работы нашего театра. С тех пор в репертуаре сменилось еще семь постановок. Одну из них театр выпускал в Доме культуры «Звезда», когда в начале 70-х наше здание было закрыто на ремонт, – это был спектакль режиссера Бориса Рябикина и дирижера Иосифа Айзиковича. Главным долгожителем среди самарских «Игорей» был еще один спектакль Бориса Рябикина – постановка 1985 года, музыкальным руководителем которой был Александр Говоров: спектакль продержался в репертуаре 23 сезона. А премьера нынешней, восьмой постановки стала первой, которую театр осуществил после масштабной реконструкции 2006-2010 годов.
Режиссер-постановщик – Юрий Александров
300–2 500 ₽
Четыре поколения предков Джакомо Пуччини были музыкантами. Они писали церковную музыку – а он стал писать для театра, и это оказался правильный выбор.
Пуччини был уже популярным композитором, чьи оперы ставились в лучшем театре Италии – Ла Скала, – когда в 1900 году в Лондоне он попал на представление пьесы Дэвида Беласко «Мадам Баттерфляй». Несколько лет спустя история юной гейши, преданной американским моряком, получила музыкальное воплощение. Первая постановка «Мадам Баттерфляй» провалилась. Упрямый Пуччини дорабатывал оперу снова и снова и довел-таки до совершенства. В «Баттерфляй» нет ничего случайного или непродуманного.
Действие оперы происходит в Японии, и чтобы создать настоящий восточный колорит, Пуччини общался с японцами и изучал ноты японских песен. В «Мадам Баттерфляй» звучит не меньше десятка подлинных мелодии родины Чио-Чио-сан. А в оркестре за азиатские краски отвечает целая палитра ударных инструментов: японские колокола, европейские клавишные колокольчики-глокеншпиль, трубчатые колокола и гонг.
Пуччини мастерски наращивает напряжение. В первом действии всё кажется нежным, легким и беззаботным – даже сам цинизм, с которым устраивается брак Баттерфляй и Пинкертона. Второе действие – мучительный контраст непоколебимой надежды Баттерфляй и здравого смысла. В третьем действии самообман героини рассеивается, и развязка наступает медленно и неотвратимо. Монолог Баттерфляй перед тем, как она покончит с собой, – один из самых сильных оперных финалов в истории.
300–2 500 ₽
Оперетты
3
Оперетта, известная в России как «Сильва», носила рабочее название «Да здравствует любовь!», а к моменту премьеры стала зваться «Княгиня чардаша». Ставилась она и под другими названиями: «Королева чардаша», «Дитя шантана». Сюжет ее – «театр о театре», рассказ о судьбе артистки варьете Сильвы Вареску.
Окружение Сильвы – князья, графы. Ее талантом восхищаются, но влюбленный в Сильву Эдвин, сын князя Воляпюк, из-за сословных предрассудков не может на ней жениться. Переплетаются судьбы героев, и постепенно становится ясно, как обманчиво многое в их жизни… «Сильва» – была, есть и всегда будет опереттой номер один, ее вдохновенные мелодии рассказывают о всепобеждающей силе любви, которой не страшны никакие преграды.
В Самаре «Сильва» впервые была поставлена во время Великой отечественной войны, в 1942 году, когда наш театр назывался Куйбышевским театром оперы, балета и музыкальной комедии, при этом опер и балетов имел в репертуаре совсем мало, а оперетт – много. В 1944 году была сделана новая постановка, которая развлекала зрителей несколько лет после войны. В 1992 году о «Сильве» вспомнил главный режиссер Борис Рябикин; в 2007 году под названием «Королева чардаша» ее поставил Борис Кричмар.
Режиссер-постановщик нынешнего спектакля – заслуженная артистка России Евгения Тенякова – стремилась отойти от обычных для этого жанра штампов: «Я хочу, чтобы зрители увидели в оперетте не просто развлечение, не набор остроумных реплик и комических трюков. В знаменитой оперетте Имре Кальмана, кроме череды обычных ситуаций, есть и глубокие человеческие чувства. Меня интересовала яркость чувств и переживаний героев, хотелось увидеть в веселом сюжете человечность, воплощение мечты о любви и верности. Вечная тема большинства оперетт – тема любви, а в "Сильве" показано, как эта тема преломляется в каждой судьбе по-своему. Рядом с темой любви через всю оперетту проходит тема театра, театральной "изнанки", закулисья. Шекспир сказал: "Мир – театр". Оперетта утверждает: "и любовь – тоже своего рода театр"».
300–2 500 ₽
Оперетта «короля вальсов» Иоганна Штрауса «Летучая мышь» облетела сцены всех театров мира. Прекрасная, искрящаяся весельем музыка, остроумный текст и сюжет, складывающийся из череды забавных ситуаций, содержат, на радость сторонникам верности в браке, непременную в жанре оперетты мораль.
«Летучая мышь» – это вершина творчества Иоганна Штрауса. Остроумный сюжет оперетты строится по законам игры, обмана, веселого розыгрыша. Все прячутся под масками, каждый выдает себя за кого-нибудь другого: служанка за госпожу, поклонник за мужа, жена за любовницу своего мужа!
Музыка этой оперетты – легкая, праздничная, пронизанная танцевальными интонациями, среди которых царствует вальс, – напоминает пенящееся шампанское. Мелодии ярко характеризуют действующих лиц, среди которых господствуют решительные, находчивые, остроумные женщины: Розалинда и Адель.
«Летучая мышь» – наиболее часто исполняемая оперетта Иоганна Штрауса. Она неизменно присутствует в репертуаре всех театров оперетты и многих оперных театров. Все куйбышевские и самарские ее постановки отличались сценическим долгожительством. 16 сезонов просуществовал спектакль Бориса Рябикина 1976 года, поставленный им вместе с дирижером Львом Оссовским и художником Милием Виноградовым (это было на тот момент четвертое обращение к «Летучей мыши» в истории театра); 19 сезонов держалась в репертуаре следующая постановка Рябикина – спектакль 1991 года, созданный вместе с дирижером Владимиром Коваленко и художницей Натальей Хохловой, восстановившей декорации по эскизам Виноградова. Но и предшествовавшая рябикинским постановка Сергея Смеяна 1967 года просуществовала солидные для своей эпохи 7 сезонов, а еще более ранняя постановка Семёна Штейна 1956 года – 5 сезонов.
300–3 000 ₽
Пусть Дмитрий Шостакович, чье имя теперь носит наш театр, и не писал ничего специально для Куйбышевского театра оперы и балета, но именно в Куйбышеве закончил свою легендарную Седьмую («Ленинградскую») симфонию и слушал ее первое исполнение в зале нашего театра. Шостакович хорошо известен как музыкант, писавший серьезные трагические произведения. Но мало кто знает, что важнейший российский композитор XX века не стеснялся любви к легкому жанру — оперетте, цыганскому пению, джазу. Сюжет единственной оперетты, которую сочинил Шостакович — «Москва, Черемушки», — композитору предложили в 1958 году Владимир Масс и Михаил Червинский. Шостакович согласился и сопроводил бытовой, но авантюрный сюжет яркой, запоминающейся музыкой. За московской премьерой последовали спектакли в Ростове-на-Дону, Одессе, Свердловске, Братиславе, Праге, Магадане, Загребе, разных городах ГДР и Чехословакии. А через два года на основе оперетты был снят фильм «Черемушки» (режиссер Герберт Раппапорт). Основная тема оперетты перекликается с отечественной историей 1950-х—60-х годов. В ней рассказывается о масштабном переезде москвичей из коммунальных квартир в отдельные, собственные в новостройках. Не обходится и без смешных и трогательных ситуаций, сопутствующих этому «великому переселению».
300–2 500 ₽
Балет
7
Балет-притча Юрия Смекалова на музыку Михаила Крылова. Постановка – лауреат губернской премии «Самарская театральная муза» (2019) в шести номинациях.
Впервые за десятилетия САТОБ представил на своей сцене мировую премьеру балета.
Автор идеи и соавтор либретто «Трёх масок короля» – Вячеслав Заренков, петербургский меценат, основатель проекта «Созидающий мир», одноимённого благотворительного фонда и театра «Килизэ». Вячеслав Заренков пишет книги, рисует картины, занимается научной деятельностью. Автор либретто балета «Орр и Ора».
Постановщик «Трёх масок короля» Юрий Смекалов сам носит маску – «Золотую Маску» за исполнение партии Тригорина в балете Бориса Эйфмана «Чайка». Юрий Смекалов – солист балетной труппы Мариинского театра и активно работающий хореограф. На его счету постановки классических балетов в Большом и Мариинском театрах и работы в области современной хореографии. «Три маски короля» – первая постановка Юрия Смекалова в САТОБ.
Музыку к балету написал петербургский композитор Михаил Крылов, в багаже которого немало постановок – в том числе первая ледовая опера «Бесконечность», балет «Орр и Ора», премьера которого состоялась на сцене Большого театра оперы и балета Беларуси в 2017 году. Михаил Крылов – дипломант международного фестиваля «Балетное лето в Большом», лауреат всероссийского конкурса «Песня года».
Оркестровку осуществляет молодой композитор, аспирант Гаагской консерватории Даниил Пильчен. За электронную часть аранжировок и саунд-дизайн отвечает петербургский продюсер, режиссёр и музыкант Влад Жуков, один из композиторов киноблокбастера «Салют-7».
Созданием декораций и костюмов для Королевства, где все носят маски, занимается один из самых плодовитых российских сценографов Вячеслав Окунев. Он не нуждается в представлении: сегодня в репертуаре САТОБ идет восемь спектаклей с его оформлением. Во всех из них художником по свету была Ирина Вторникова, которая принимает участие и в работе над «Тремя масками короля».
Дирижёр-постановщик «Трёх масок» – главный дирижёр САТОБ Евгений Хохлов.
Мы все носим маски. Просыпаясь, мы надеваем маску ребёнка или родителя, мужа или жены. Нам хочется казаться добрыми, злыми, смешными, серьёзными, красивыми, жалкими, умными, невеждами, независимыми или порабощёнными. Скрывать истинные мысли и чувства становится для нас нормой. Мы не признаём лжи, хотя обманываем постоянно не только окружающих, но и самих себя. Что есть искренность и открытая добродетель? Не является ли эта форма поведения тоже маской?
300–1 800 ₽
«Дон Кихот Ламанчский» – один из ярчайших образцов наследия «золотого века» классического балета; театральная фантазия на тему балетной Испании с зажигательными ансамблевыми танцами, кастаньетами, веерами, оборками на юбках, розами и гребнями в женских прическах.
Основой сюжета и поводом для танцев стал эпизод из многочисленных приключений хитроумного идальго Дон Кихота Ламанчского – история о несостоявшейся свадьбе богача Камачо (в балете – Гамаш) с красавицей Китерией (Китри), возлюбленной деревенского юноши Басилио (Базиль). И Дон Кихот в спектакле – далеко не главный герой, его роль – пантомимная, а все танцевальные свершения отданы другим персонажам.
Праздничный, увлекающий темпераментом и виртуозностью спектакль Александра Горского был поставлен на заре ХХ века по мотивам более раннего балета Мариуса Петипа. Молодой и пылкий хореограф Горский был очарован идеями Константина Станиславского (только что открывшего Московский художественный театр) и во имя «жизненной правды» в балете превратил симметричный кордебалет, привычный для постановок Петипа, в играющую, переживающую, веселящуюся толпу. Сегодня его спектакль, восстановленный в 2016 году Алексеем Фадеечевым, считается «визитной карточкой» московского балета.
В истории САТОБ было шесть постановок «Дон Кихота». Каждый раз за них брались выдающиеся балетмейстеры: 1941 – Наталья Данилова, 1953 – Константин Боярский, 1966 – Алла Шелест, 1982 – Игорь Чернышёв, 2004 – Никита Долгушин, 2010 – Кирилл Шморгонер. Последний раз этот балет появлялся на сцене в 86-м театральном сезоне 2016/17.
В спектакле также использована музыка Риккардо Дриго, Цезаря Пуни, Антона Симона, Эдуарда Направника
Благодарим за предоставленные материалы Музей Большого театра России, Санкт-Петербургскую государственную театральную библиотеку, Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства
300–3 000 ₽
«Лебединое озеро» — один из самых часто исполняемых балетов, настоящий символ балетного искусства. К нему приложило руку множество авторов, а количество его версий трудно подсчитать.
В 1875 году 35-летний Пётр Ильич Чайковский получил заказ на музыку к балету. К тому времени он уже был автором трёх симфоний, нескольких опер, симфонических фантазий, и отличительной чертой многих его произведений была танцевальность – балетом он увлекался уже давно.
Первая хореографическая версия «Лебединого озера», поставленная в 1877 году в московском Большом театре Вацлавом Рейзингером, оказалась неудачной. Писали, что балетмейстер продемонстрировал «замечательное уменье вместо танцев устраивать какие-то гимнастические упражнения». Спектакль быстро исчез со сцены.
В 1895 году в Санкт-Петербурге была поставлена более успешная версия Мариуса Петипа и Льва Иванова. В ней танцевал Александр Горский, который и взялся 1901 году поставить «Лебединое озеро» в Москве. Горский лишил первое действие атмосферы придворной чинности, а во втором изменил знаменитые «лебединые сцены»: нарушил симметрию петербургской версии, увеличил количество исполнителей. Именно Горский создал всем известный танец маленьких лебедей.
Горский продолжал менять и совершенствовать «Лебединое озеро» еще двадцать лет. Самую радикальную версию он создал в соавторстве с легендарным режиссером Владимиром Немировичем-Данченко в 1920 году. Партию Одетты-Одиллии они разделили на две и отдали разным танцовщицам; придумали партию Шута, которая с тех пор не покидает постановок «Лебединого озера». Финал балета впервые стал счастливым – до этого Зигфрид и Одетта погибали. В 1922 году Большой театр отказался от самых кардинальных изменений и вернулся к более традиционному варианту.
«Лебединое озеро» в постановке Горского не дошло до нас целиком, но до сих пор в большинстве редакций спектакля сохранились те или иные сценические воспоминания о работе балетмейстера. Нынешняя постановка — дань уважения этому великому мастеру.
300–3 500 ₽
11
300–3 000 ₽
Жар-птица
Игорь Стравинский (1882–1971)
Либретто и хореография Михаила Фокина (1910)
Реконструкция Андриса Лиепы (1994)
Декорации и костюмы Анатолия Нежного на основе эскизов Льва Бакста, Александра Головина и Михаила Фокина
Мировая премьера состоялась 25 июня 1910 года, Париж (в рамках «Русских сезонов» Сергея Дягилева)
«Жар-птица» — первый балет Стравинского, принесший ему мировую славу. Поставленный Михаилом Фокиным на сюжет русских сказок, он стал символом синтеза авангардной музыки и традиционной хореографии.
В основе сюжета — история о том, как Иван-Царевич ловит волшебную Жар-птицу, но, тронутый её мольбами, отпускает, получив взамен заветное перо. Когда герой попадает в Кощеево царство, это перо становится его спасением: с его помощью он побеждает злого колдуна, разрушает чары и освобождает прекрасных царевен.
Премьера 1910 года в Париже вызвала восторг критиков, отметивших «огненную» энергию музыки Стравинского и новаторство Фокина.
Музыкальный руководитель и главный дирижёр – Евгений Хохлов
Дирижёр-постановщик – Евгений Хохлов
Балетмейстер-постановщик – Андрис Лиепа
Ассистенты балетмейстера-постановщика – Светлана Романова, Игорь Пиворович
Художник-постановщик, художник по костюму – Анатолий Нежный (по эскизам Льва Бакста, Александра Головина и Михаила Фокина)
Ассистент-технолог по костюмам – Елена Нецветаева-Долгалева
Художник по свету – Андрис Лиепа
Шехеразада
Николай Римский-Корсаков (1844-1908)
Либретто Льва Бакста и Михаила Фокина по мотивам арабских сказок
Хореография Михаила Фокина (1910)
Реконструкция Андриса Лиепы (1994)
Декорации и костюмы Анатолия Нежного на основе эскизов Льва Бакста
Мировая премьера состоялась 4 июня 1910 года (Парижская опера)
Балет «Шехеразада» — одна из жемчужин «Русских сезонов», созданная триадой гениев: композитором Николаем Римским-Корсаковым, хореографом Михаилом Фокиным и художником Львом Бакстом. В основу легла симфоническая сюита Римского-Корсакова (1888), вдохновлённая «Сказками 1001 ночи», но Дягилев и Фокин радикально переосмыслили её, сосредоточившись на драме гарема и страсти, а не на морских приключениях Синдбада.
В 1910 году парижская премьера балета «Шехеразада» стала значительным событием в культурной жизни Европы. Успех постановки «Русских сезонов» оказался настолько впечатляющим, что вскоре после премьеры в моду вошли восточные мотивы: парижанки стали носить шаровары и тюрбаны, напоминавшие костюмы, созданные художником Львом Бакстом, а в оформлении интерьеров и аксессуаров стали популярны орнаменты в характерной сине-оранжевой гамме.
Сергей Дягилев, задумывая этот спектакль, сделал ставку на экзотическую восточную эстетику. Особенное впечатление на публику производили Ида Рубинштейн с её царственной грацией и Вацлав Нижинский, чья выразительная пластика надолго осталась в памяти зрителей.
Хотя некоторые сцены балета, включая изображение гаремной жизни, казались современникам смелыми и даже вызывающими, главной ценностью «Шехеразады» стало гармоничное сочетание музыки, хореографии и визуального оформления. Этот спектакль не только покорил парижскую публику в 1910 году, но и сохранил свою художественную ценность для последующих поколений.
Музыкальный руководитель и главный дирижёр – Евгений Хохлов
Дирижёр-постановщик – Евгений Хохлов
Балетмейстер-постановщик – Андрис Лиепа
Ассистенты балетмейстера-постановщика – Светлана Романова, Игорь Пиворович
Художник-постановщик, художник по костюму – Анатолий Нежный (по эскизам Льва Бакста)
Ассистент-технолог по костюмам – Елена Нецветаева-Долгалева
Художник по свету – Андрис Лиепа
300–3 500 ₽
Сценарий русско-французской писательницы и журналистки Лидии Александровны Пашковой основан на средневековой легенде о девушке, ожидающей из рыцарского похода своего возлюбленного. Средневековые сюжеты были очень популярны в России конца XIX века. Огромный интерес к той эпохе проявлял и композитор Александр Константинович Глазунов. Несмотря на работу над Шестой симфонией, он с большим энтузиазмом взялся за создание музыки к балету.
Мировая премьера «Раймонды» в постановке выдающегося балетмейстера Мариуса Петипа состоялась 7 января 1898 года в Мариинском театре. Для композитора Александра Константиновича Глазунова она стала первом опытом обращения к жанру балета, а для Мариуса Петипа – последней большой работой.
Спустя два года балетмейстер Александр Алексеевич Горский, взяв за основу хореографию Петипа, представил премьеру «Раймонды» в Большом театре, а в 1908 году он создал собственную оригинальную постановку балета.
В балете противопоставлены два мира: полный достоинства и рыцарского благородства мир Раймонды и варварский мир необузданных эмоций Абдерахмана и его свиты. Вторжение этого дикого, страстного начала в тихую жизнь романтичной девушки идеализированного Средневековья становится источником драматургического конфликта.
300–3 000 ₽
Фестиваль «Наследие. Балет»
I отделение
«Роман Бутона розы»
Фантастический балет в 1 действии, в двух картинах
Музыка Риккардо Дриго (1846 – 1930)
Хореография Мариуса Петипа (1818 – 1910)
Художник по костюмам Иван Всеволожский (1835 – 1909)
Постановка и хореографическая редакция Наталья Воскресенская
Музыкальный руководитель, дирижер-постановщик – Евгений Хохлов
Балетмейстер-постановщик – Наталья Воскресенская
Художник по костюмам – Татьяна Ногинова по эскизам Ивана Всеволожского
Художник по свету – Ирина Вторникова
На сцене Самарского театра оперы и балета имени Д.Д. Шостаковича впервые будет воссоздан балет «Роман Бутона розы» в хореографии Мариуса Петипа. В 1903 году Петипа задумал эту постановку, которая должна была состояться в 1904 году на сцене Эрмитажного театра, но, к сожалению, этого не произошло. Лишь после смерти балетмейстера, в 1919 году, спектакль был поставлен Александром Ивановичем Чекрыгиным в бенефис Риккардо Дриго.
Сюжет балета прост и изящен. Он рассказывает о красавице клумбы – Бутоне розы, влюбившейся в мотылька – Сфинкса. Под влиянием чувств Бутон превращается в пышную Цветущую розу, но из-за измены Сфинкса с Настурцией начинает увядать. Однако благодаря вмешательству Королевы садов – Лилии, возвращается былая красота розы и любовь Сфинкса. Завершается романтическая история, как и многие балеты Мариуса Петипа, торжественным апофеозом.
II отделение
«Времена года»
Аллегорический балет в 1 действии, в 4 картинах
Постановка победителей фестивального проекта «Русский балет навсегда» благотворительного фонда Илзе Лиепы
Музыка Александра Глазунова (1865 – 1936)
Хореография Мариуса Петипа (1818 – 1910)
I картина «Зима». Хореограф-постановщик – Елизавета Мазуркевич
II картина «Весна». Хореограф-постановщик – Лилия Симонова
III картина «Лето». Хореограф-постановщик – Марианна Рыжкина
IV картина «Осень». Хореограф-постановщик – Даниил Благов
Музыкальный руководитель, дирижер-постановщик – Евгений Хохлов
Художник-постановщик, художник по костюмам – Иван Складчиков
Художник по свету – Ирина Вторникова
Постановка балета «Времена года» на музыку Александра Глазунова совпала с юбилейной датой – 160 лет со дня рождения композитора. Замысел балета «Времена года» принадлежал Ивану Всеволожскому. Автором либретто и режиссером-постановщиком выступил один из лучших русских балетмейстеров, непревзойденный Мариус Петипа. По задумке балетмейстера каждое из времен года – это не просто поэтическая картина, а одушевленное действие. В картине зимы Снег и Снежинки танцуют вместе с Инеем и Льдом, пока два седых гнома не зажигают яркий костер, и тогда Царица-зима освобождает место Весне. Весну олицетворяет танец Розы, сопровождаемой Ласточками. Жаркое Лето – царство Колоса, Фавна, Сатиров и Озерных нимф. Осень – время сбора урожая. Эта сцена является кодой, которую по-другому называют «Вакханалия». В ней все времена года объединяются в общий танец.
Премьера балета состоялась 7 февраля 1900 года на сцене Эрмитажного театра в Санкт-Петербурге.
300–3 000 ₽
Остальное
4
700–1 000 ₽
от 6 000 ₽
300–2 500 ₽
300–2 000 ₽
🍪
Мы используем cookies подробнее